Простор для мысли

Простор для мысли

четверг, 27 апреля 2017 г.

Комментарий к исторической драме «Среди добрых людей» (СССР, 1962 год)

В начале 1960-х годов память о Великой Отечественной войне была жива и актуальна, так как большинство населения страны являлись её очевидцами и участниками. Естественно, что художественные фильмы о прошедшей войне вызывали живой интерес и отклик в душах людей.
В то время военные фильмы делились на две категории: первую составляли сюжеты, в которых война изображалась непосредственно, а к другой относились фильмы, рассказывавшие о последствиях войны.
Фильм «Среди добрых людей», снятый на киностудии имени Александра Довженко в 1962 году режиссёрами Евгением Брюнчугиным и Анатолием Буковским, относится ко второй категории советских фильмов о войне. В СССР его посмотрели более 30 миллионов зрителей.
История, рассказанная в этом фильме, увы, весьма типична для военных лет. Мать потеряла дочку. Специфика ситуации состояла в том, что это произошло в первый же день войны, а потерянная была девочкой около трёх лет.
Всё произошло в Западной Украине, скорее всего, в Закарпатье, на самой границе, в пограничном гарнизоне, принявшем бой на рассвете 22 июня 1941 года. Жена командира заставы капитана Косачёва с дочкой при помощи проводника из местных жителей выбралась из сплошного огня. Беженцы сели даже на попутную машину, но уехать далеко не удалось из-за налёта немецкой авиации.
Возле какой-то деревни мать оставила дочку у дороги, а сама осторожно отправилась к ближайшим хатам, скорее всего, за помощью и пропитанием, где и была взята в плен немцами и присоединена к колонне других военнопленных.
Девочка подождала маму, а потом начала идти по дороге и плакать. Тут её и заметила местная жительница по имени Михайлина. Так малышка, которую звали Таня, оказалась в доме украинки, ставшей её второй мамой и назвавшей приёмную дочку Наташей.
Прошло десять лет, и в той местности состоялось открытие памятника на месте бывшей пограничной заставы. На открытии памятника присутствовала жена погибшего командира заставы Косачёва, Ольга Дмитриевна, которая специально приехала из Поволжья, где теперь жила. На открытии были и дети местной школы, а среди них – девочка Наташа. Знали бы мать и дочь, что они в тот момент находились вблизи друг друга…
Такова завязка фильма. Далее, как обычно, следуют развитие действия, иначе градация, приводящая к кульминации и неизбежной развязке. Фильм смотреть очень интересно. Настолько он добрый, душевный и даже трогательный. Не случайно и название его соответствующее – «Среди добрых людей».
Вместе с тем просмотр фильма невольно вызывает и горькие мысли. Насколько в худшую сторону изменились люди, по сравнению с послевоенным временем, когда дух коллективизма, озабоченность проблемами ближних и доброе отношение к ним являлись нормами поведения, своего рода моральным кодексом советского человека.
Горько от просмотра фильма ещё и потому, что изменилась сама внешняя действительность. Рухнула великая страна, где братство и дружба людей разных национальностей была нормой общежития. На просторах СССР началась междоусобная война. Та же Западная Украина, где разворачиваются события фильма, вообще превратилась во враждебную территорию.
Всё сказанное позволяет скорректировать и жанр фильма «Среди добрых людей». Сейчас его правильнее определять не как драму, а как историческую драму. Ведь то, что было, прошло. И добрых людей теперь нужно искать, так как общество в подавляющей своей части живёт по жестоким законам социал-дарвинизма.
Что касается исполнительской стороны фильма, то она, что обычно для советского кинематографа, находится на необходимой высоте. Мастерство актёров, операторская работа, звуковое сопровождение безупречны. Режиссёр умело чередует печальные, серьёзные и смешные моменты их жизни героев. Роль Михайлины талантливо исполнила народная артистка СССР Вера Петровна Марецкая (1906–1978). Несомненно, украшают фильм и пейзажи Закарпатья.
© А. Ф. Рогалев.

среда, 26 апреля 2017 г.

Несколько стандартный фильм о добре и зле. «Песня для изгоя» (2003 год).

Фильм режиссёра Эшлин Уолш «Песня для изгоя» снят в 2003 году при участии киностудий Ирландии, Великобритании, Дании, Испании на основе книги ирландского поэта, певца, драматурга, сценариста Патрика Гэлвина (1927–2011) «Song for a Raggy Boy» («Песня для мальчика Рэгги»).
Кто же он, этот мальчик Рэгги? Это обобщённый образ, применимый к любому из тех мальчишек, которые являются истинными героями фильма и, соответственно, книги.
Имя Raggy Boy стало обозначением парнишки от 10 до 15 лет, дерзкого и непокорного, но волевого и умного, который смело идёт в бой и часто проигрывает его, но не сдаётся.
Стихи, звучащие в фильме, как раз для этого Raggy Boy:

«Благая ночь царит вокруг.
Ей не преграда дверь темницы.
Она тебе поможет, друг,
Сломать привычные границы.
А ветер – наш союзник, он
Вручит нам боевые ранцы.
Мы снова встретимся с тобой,
Там, где встречаются повстанцы!»

Но почему фильм «Song for a Raggy Boy» подаётся в русскоязычном варианте под названием «Песня для изгоя»? Кто здесь изгой?
Ну, конечно же это всё тот же – Raggy Boy. Обобщённый образ мальчика, изгоя общества, брошенного родителями или оставшегося без родителей и ступившего на путь воровства и хулиганства, пойманного и отправленного для исправления в католическую исправительно-трудовую школу, каковыми славилась вплоть до  1984 года страна Ирландия.
Казалось бы, лучшего места для покаяния и обучения не найти. Однако то, что мы видим в фильме, шокирует. Да, мальчиков там содержат в полном довольствии – кормят, одевают, учат, но и бьют, унижают, оскорбляют и даже насилуют.
Для префекта школы брата Джона эти Raggy Boys – не более чем  существа, с которыми можно поступать, держа имя бога в уме и на устах, так, как только пожелаешь.
Критика церкви в фильме «Песня для изгоя» неимоверно сильна. Давно и хорошо известно, что среди служителей церкви немало адептов Дьявола. Он, этот Иерарх Отрицательной системы, является для таких священников и церковных учителей истинным богом и господином. Ведь они в своих молитвах не разъясняют, какого бога имеют в виду, когда молятся.
Всё это красноречиво показано на примере образа брата Джона, подлинного сатрапа и садиста. Попадающие к нему на расправу провинившиеся мальчики проходят все муки ада.
Выразительны и типичны и другие работники (служители) школы – безвольный директор, закрывающий глаза на зверства брата Джона, а ещё брат Мак, любящий забавляться в укромных местечках с парнишками, а также привратник, знающий всё, что происходит в школе, но надёжно молчащий, да и прочие приживали при хлебном месте.
Центральным же является образ светского учителя Уильяма Франклина, поступившего в религиозную исправительно-трудовую школу ввиду отсутствия иного места. Он, естественно, антипод всем остальным «педагогам» и «воспитателям». Мало того, он – закалённый в гражданской войне в Испании боец. Франклин учит своих воспитанников быть людьми и пробуждает в них чувство собственного достоинства, помогая избавляться от синдрома изгоя.
Правда, в исполнении Айдана Куинна образ идеального учителя, друга и любимца детей выглядит несколько пафосным и стандартным. Впрочем, стандартны здесь все образы взрослых. Они и разведены по заданным рангам: злодей – борец со злодейством – колеблющийся – безвольный.  
Если же говорить о тех, кто поистине восхищает, так это все мальчики без исключения, все эти Raggy Boys, которые не исполняют и не играют свои роли, а живут ими, буквально перевоплощаются в принятых ими персонажей.
В целом, этот фильм можно назвать несколько стандартным повествованием о добре и зле, о поединке между носителями добра и зла, об извечной борьбе тёмного и светлого начал за души людей.
Недостатком фильма (и книги?) является, на наш взгляд, слишком негативное изображение религиозных школ и их служителей. Здесь явно не хватает положительного образа священника.
Безусловно, не все школы, собиравшие малолетних преступников, были такими, как они показаны на примере школы St. Jude, да и среди служителей этих школ, конечно же, было немало истинных божьих людей, заботливых и совестливых.
Нельзя забывать, что церковь – это часть общества, а общество всегда состоит из разных типов – как положительных, так и отрицательных.
© А. Ф. Рогалев.


Запретное чувство в фильме «А если это любовь?» (СССР, 1961 год)

Советские фильмы смотреть интересно и полезно, в частности, для сравнения того времени с нынешним, для сопоставления господствовавших тогда и сейчас нравов, представлений о должном и поведенченских стереотипов.
Весьма показателен в этом плане фильм «А если это любовь?», снятый в 1961 году режиссёром Юлием Райзманом.
Кстати, в этом фильме свои первые роли сыграли ставшие затем известными актёры Андрей Миронов и Евгений Жариков. Правда, это были второстепенные роли. В главных же ролях выступили Жанна Прохоренко (роль Ксении Завьяловой) и Игорь Пушкарёв (роль Бориса Рамзина).
Ксения и Борис – обычные ученики 10 класса советской средней школы. Между ними возникает то, что обозначается таким расплывчатым и широким по значению словом любовь.
Авторы фильма, решившие обсудить тему любви между старшеклассниками, достаточно робко обозначили эту проблему в заглавии, построенном в форме вопроса, а не утверждения. Ведь можно было бы, например, озаглавить фильм так: «Ведь это – любовь!».
Но в 1961 году так уверенно заявлять было не принято. Существование нормы приличия и моральные устои общества этого не позволяли. Подтверждением является содержание фильма, в котором возникшее взаимное тяготение школьников друг к другу становится предметом весьма широкого внимания – и других учеников по классу, и учительского коллектива, и родителей, и даже соседей по двору.
События происходят в каком-то не названном городке, среди новостроек. Здесь и находится школа, где учатся герои фильма. Недалеко – лес, а в лесу есть развалины церкви, в которой, как оказывается, венчалась бабушка Ксении Завьяловой.
Вот эта разбитая церковь, а ещё такие атрибуты, как новостройки, растущие как грибы дома «хрущёвского типа», школа со строгими моральными устоями, коллективизм жителей соседних дворов, обсуждающих все вопросы и проводящих праздники вместе, сообща, составляют колорит фильма и дают представления о том, как проходила жизнь в начале 1960-х годов, какими тогда были интересы, настроения, нравы и взаимоотношения людей.
Фильм «А если это любовь?» – очень любопытный. К нему так и просится эпиграф: «Всем до всего есть дело». Вот и дружба девочки и мальчика, трансформировавшаяся в нечто большее, стала экстраординарным событием местного масштаба и привела ко всеобщему обсуждению или осуждению.
В школе преобладает запретительный императив: разве так можно! Мать Ксении видит в дружбе с Борисом только разврат. Одноклассники, частично завидуя, частично сочувствуя Ксении и Борису, не решаются открыто выступить на их защиту. Соседи охотно чешут языками, сопровождают детей любопытными и многозначительными взглядами, так что та же Ксения даже страшится выйти из дома.
Ханжеское отношение к молодым людям приводит к тому, что любовь превращается в личную драму, психика детей травмируется и последующая их жизнь однозначно будет проходить с болевым синдромом юности.
И всё это – на пустом месте, из факта совершенно робкого, нежного и целомудренного чувства, которого Ксения начинает бояться как болезни. Борис борется за чувство и девушку, но он оказывается в полном одиночестве, без поддержки ближних.
Характерно, что даже родители Бориса не решаются открыто и решительно поддержать сына. Они как будто боятся общественного мнения, устоявшихся в обществе стереотипов, исключающих возможность любви между советскими школьниками.
Фильм завершается неопределённо, оставляя главных его персонажей на перепутье, с разбитыми сердцами. Печально, да и только…
Разве не интересен и не любопытен с учётом сказанного эта картина – «А если это любовь?» Вот бы посмотреть её не людям старшего поколения, а современным школьникам, абсолютно раскрепощённым во многих отношениях, в том числе и во взаимных симпатиях друг к другу.
Впрочем, справедливости ради, следует сказать, что показанное в фильме Юлия Райзмана нельзя назвать массовым или типичным явлением. Всякое бывало и могло быть. Но не все учителя и родители в советское время были такие односторонние и примитивные, как в этом фильме. Любовь же между старшеклассниками возникала нередко, как и во все времена, и так же, нередко, имела и счастливое продолжение.
© А. Ф. Рогалев.

вторник, 25 апреля 2017 г.

Для любителей криминальных драм – фильм «Вдали от дома» (США, 1989 год)

Старый, но весьма интересный детективный фильм «Вдали от дома», снятый в 1989 году режиссёром Мейертом Эйвисом, переносит зрителя в американский штат Невада, а конкретно – в некое местечко, расположенное рядом с пустыней, где проводятся испытания ядерного оружия.
Мы видим полигон, свалку старой техники, странных людей, прижившихся здесь, на окраине цивилизованного мира, в фургончиках и установившие свой собственный порядок вещей и течения жизни, который лишь отчасти соответствует законам страны.
Потенциально криминальная обстановка чувствуется сразу, как только герои фильма, отец и дочь Чарли и Джолин Кросс, оказываются в один из знойных летних дней в этом месте.
Что делают они здесь? Зачем приехали? Просто по необходимости. Чарли с дочерью путешествовали в собственном автомобиле по национальным паркам США. Джолин, школьница старших классов, развлекалась и восхищалась увиденным, старательно занося свои впечатления в личный дневник, а Чарли, журналист и писатель, не только способствовал расширению кругозора дочери, но и готовил в дороге путевые очерки для публикации.
Они уже завершали своё путешествие и находились по дороге домой. Но в машине закончился бензин и волей-неволей пришлось свернуть с магистральной дороги на просёлочную. Так они оказались там, где их на отпускной десерт ждали необычные приключения криминального свойства, да ещё такие, что трудно было сразу прогнозировать, смогут ли наши герои остаться живыми и невредимыми.
Американцы умеют снимать детективные драмы и криминальные триллеры, причём делают это без особых сантиментов, прямо и жёстко для эмоциональной сферы потенциального зрителя.
Впрочем, это мы так считаем. Возможно, для американского зрителя такие фильмы вполне обычны и полностью вписываются в национальный менталитет, в котором нет места для миндальничания и глубоких размышлений на общечеловеческие и гуманитарные темы.
Вот и в фильме «Вдали от дома» основная идея выражена так: нет никого, кому можно было бы доверять, в том числе и тем, кто любит тебя.
Само заглавие фильма своим общим смыслом не очень соответствует сути тех драматических событий, которые составляют основу сюжета. Вдали от дома может происходить что угодно, в том числе и нечто приятное. Но, видимо, создатели картины посчитали, что большой внешний мир в целом весьма опасен для человека. Поэтому, отправляясь в отпуск, нужно быть готовым к тому, что о нём останутся разные воспоминания, в том числе и такие, которые оставили свой глубокий негативный след в сознании героев фильма на всю оставшуюся жизнь.
Заметим, что в 1988 году, за год до выхода анализируемого фильма, в США был снят другой фильм под таким же названием – «Вдали от дома» (режиссёр Гэри Синиз). Но с ним связана иная криминальная история.
© А. Ф. Рогалев.


Люди и Океан в фильме Рона Ховарда «В сердце моря» (2015 год)

Фильм «В сердце моря», снятый в 2015 году режиссёром Роном Ховардом при участии киностудий США, Австралии, Испании, поражает великолепием океанских пейзажей и ужасом схваток с китами.
В жанровом отношении фильм может быть обозначен как триллер, создававшийся на историко-биографических фактах.
Сюжет построен по книге американского сценариста Натаниэля Филбрика «In the Heart of the Sea: The Tragedy of the Whaleship Essex» («В сердце моря: Трагедия китобойного судна „Эссекс“»), с которой автор выступил уже как писатель-исследователь.
В книге и, соответственно, в фильме действуют персонажи, изображающие реальных лиц в реальных событиях, произошедших в начале XIX века, в частности, в 1820 году в южной части Тихого океана.
Парусное китобойное судно «Эссекс» вышло по заданию промысловой компании из порта в американском штате Массачусетс и не вернулось. Выжили только некоторые из команды.
Пикантность ситуации состояла в том, что судно было атаковано гигантским китом, на которого велась охота, и фактически было разбито им вдребезги.
Этот, в общем-то, не типичный для китобойного промысла факт стал предметом исследования в середине XIX века, когда американский писатель Герман Мелвилл выпустил книгу «Моби Дик» (1851 год) – романтическое произведение, основанное на случае с «Эссексом», но с вымышленными героями и придуманными фактами. Имя Моби Дик было дано гигантскому белому киту, грозе китобоев.
Фильм «В сердце моря» включает эпизоды, где действует писатель Герман Мелвилл, нашедший участника злополучного плавания на «Эссексе» в 1820 году – Томаса Никерсона, который и рассказывает ему об обстоятельствах гибели судна и о судьбе моряков.
Сценарист Натаниэль Филбрик использовал все имеющиеся источники, в том числе и роман «Моби Дик», и в 2000 году представил новое произведение, которое затем было экранизировано.
В отличие от романа Германа Мелвилла, здесь действуют все члены команды «Эссекса» во главе с капитаном Джорджем Поллардом-младшим и старшим помощником капитана Оуэном Чейзом.
Автор книги и сценария для фильма считал главной своей задачей представить реалии начала XIX века, показать суровые условия, в которых действовали те, кто добывал китовый жир, благодаря чему богатели хозяева китобойных судов и компаний, а ещё – человеческое мужество и трагизм судеб многих из моряков.
В фильме сцены поединков с китами сняты не без компьютерной голограммы, но они убедительны и оказывают сильное эмоциональное воздействие на зрителей.
Белый кит изображён как порождение Океана, карающего тех, кто преступил дозволенную и разумную черту в погоне за добычей.
В злополучном рейсе команде «Эссекса» после первых удачных ловов долго не удавалось найти стаи китов. Судно бороздило воды океана, уходя всё дальше и дальше, из Атлантики в Тихий океан, но поиски китов оставались напрасными. Это был явный знак капитану и команде – вернуться с тем, что есть, и не испытывать судьбу.
Увы, люди не привыкли читать и понимать знаки, посылаемые теми, кто руководит жизнью людей. И тогда «Эссекс» был выведен на стаю кашалотов во главе с гигантским китом, поразить которого даже самым большим для того времени гарпуном было невозможно.
Если первую часть повествования можно назвать «Охота», то вторая часть должна быть озаглавлена «Борьба за жизнь».
Испытания твёрдости тела и духа тех, кто пересел в шлюпки с разбитого и горящего судна, были неимоверны. Авторы фильма скрасили подробности этого, и о некоторых деталях, например, о съедении умерших или тех, кому выпал жребий быть убитым и съеденным, было только упомянуто.
С позиций сегодняшнего дня фильм и книгу «В сердце моря» можно назвать ещё историческими и даже философскими, поднимающими такие темы, как «Человек и природа», «Человек и стихия», «Человек и нажива», «Человек в экстремальной ситуации», «Сущность человека».
Ни в коей мере нельзя в них видеть только приключенческую основу и настраивать себя на развлекательное повествование, ибо ключевой здесь является трагедийная канва.
Скажем в заключение, что главные роли в фильме прекрасно исполнили Крис Хемсворт, Бенджамин Уокер, Киллиан Мёрфи, Том Холланд, Брендан Глисон.

© А. Ф. Рогалев.

понедельник, 24 апреля 2017 г.

Вне большого мира. О фильме «Таинственный лес» (2004 год).

Американский кинорежиссёр и сценарист индийского происхождения М. Найт Шьямалан снимает фильмы с мистическими сюжетами, при этом предпочитает невероятно закручивать повествование, так что финал фильма может быть совершенно неожиданным и не прогнозируемым.
Фильм «Таинственный лес», вышедший на экраны в 2004 году, является убедительным примером сказанному. Исконное его название – «The village» («Деревня») в русскоязычной адаптации для пущего воздействия на сознание потенциального зрителя и для привлечения его к фильму было заменено на «Таинственный лес».
Деревня находится на краю леса. Сам же лес действительно странный даже внешне, не говоря уже о том, что с ним связано. Он показан каким-то сухим и как будто мёртвым, без всякого признака зелёной растительности. Кустарник с ягодами оранжевого цвета, считающийся в деревне опасным, также не имеет листьев.
Обитатели деревни боятся леса. Им вообще запрещено туда ходить. Деревня окольцована защитной полосой из столбов, на которых ночью зажигаются масляные факелы. Столбы помечены жёлтой краской и на них развешаны жёлтые флаги. Жителям деревни объяснено, что жёлтый цвет имеет для них защитную функцию.
По ночам из леса доносятся пугающие звуки. Так дают о себе знать страшные обитатели леса, именование которых называть нельзя.
В деревне живут три поколения – старшее, составляющее совет старейшин, среднее и младшее, совсем маленькие дети. Жители ведут натуральное хозяйство, то есть обеспечивают сами себя всем необходимым, так как отрезаны от внешнего мира – от так называемых «городов», где процветает грех.
Жители деревни представляют собой консервативную протестантскую общину, а события разворачиваются на северо-востоке США, в штате Пенсильвания. Общий быт деревни, одежда её обитателей типичны для конца XIX века.
Впрочем, время здесь не существенно. Можно сказать, что оно как бы остановилось или намеренно законсервировано. По крайней мере, в этом очень заинтересованы руководители общины во главе с Эдвардом Уокером.
Постепенно, по репликам действующих персонажей и по различным косвенным фактам зритель догадывается, что деревня и её жители есть не что иное, как эксперимент. Суть его в том, чтобы увести определённую группу людей из социума, организовать их жизнь вне большого мира по правилам и нормам, которые бы исключили всякое взращивание и развитие пороков и грехов.
Утопизм такой идеи очевиден, поскольку пороки и грехи вырастают на определённой почве, и этой почвой является человеческое общество. При этом не имеет значения – большое это общество или малое, в размерах одной, пусть даже и изолированной от остального мира деревни.
Таинственный лес выполняет в фильме устрашающе-охранную функцию: он пугает обитателей деревни и пресекает всякое желание перейти через него и попасть в города.
Конечно, коллизия сюжета как раз и заключается в том, что этот запрет будет вольно или невольно нарушен. На этом строится достаточно занимательное повествование, в котором мистика и реальность сплетены воедино.
Характерно, что пересекает лес и выходит в «города»… слепая девушка Айви, дочь Эдварда Уокера. Она не видит атрибутов внешнего мира, но предварительно осведомлена отцом о тайне их деревни. В своём путешествии Айви руководствуется особым ощущением слепых, к тому же её ведёт любовь к парню по имени Люций, которому срочно требуется лекарство от инфекции.
Фильм начинается смертью. Хоронят маленького сына одного из старейшин. Можно догадаться, что мальчик умер от какой-то болезни ввиду отсутствия в деревне лекарств. Начало фильма знаково: оно прогнозирует конец деревни как таковой, обречённость самой идеи изолированной от мира общины.
Финал же вообще впечатляющий. Конечно, раскрывается тайна леса, правда, не для обитателей деревни, а лишь для зрителя и слепой девушки Айви. О сути этой тайны знают ещё и старейшины общины.
Раненый Люций благодаря лекарствам поправится, а затем с опорой на рассказы Айви, несомненно, захочет повторить её путь в «города», тем более что такое стремление он уже проявлял и обращался за разрешением к старейшинам после гибели мальчика, мотивируя это необходимостью иметь в деревне лекарства, чтобы предотвратить новые смерти.
Так что утопия потому и считается утопией, то есть несбыточной мечтой, потому что все попытки её воплотить ограничены возможностями.
В этом смысле весь земной мир, эта Большая Деревня, не говоря уже об отдельной малой деревне, с какой бы целью он ни создавался, тоже оказывается утопией, так как события в нём и общий ход развития непременно отклоняются в ту или иную сторону от планируемого и предполагаемого варианта.
К тому же, как большой мир, так и малая деревня в анализируемом фильме, обуяны страхом и живут со страхом, а на страхе счастье не строится.
Игра занятых в фильме актёров, за исключением роли Айви (Брайс Даллас Ховард) не впечатлила. Это вполне обычная игра, но не яркая и не запоминающаяся.
Что касается общей оценки фильму, то несмотря на отсутствие безупречностей в сюжете, «Таинственный лес» примечателен соединением в нём мистического триллера, мелодрамы и социально-философского кино и поэтому, безусловно, заслуживает внимания.

© А. Ф. Рогалев.

воскресенье, 23 апреля 2017 г.

Комментарий к социально-психологической драме «Кто я?» режиссёра Клима Шипенко (2010 год)



Ночной железнодорожный вокзал. Какой-то молодой человек ходит перед поездом, как будто отыскивая нужный вагон, но не находя его. Тут на этого человека обращает внимание милицейский патруль. Человек кажется подозрительным, и его задерживают.
В районном отделении милиции, однако, не знают, что делать с задержанным, поскольку он не помнит, кто он, как его зовут и откуда он родом. Данное обстоятельство становится основой, на которой раскручивается невероятный детективный сюжет.
Сюжет действительно невероятный, и по итогам фильма можно смело подвергать критике как задумку авторов, так и весь сценарий за ребусы и нестыковки, за непонятные и логически не обоснованные места.
Но всё это в итоге прояснится и окажется хитросплетениями повествования. Сам же фильм смотрится с таким интересом и с таким напряжённым ожиданием разгадки, что невольно соглашаешься с тем, что всё невероятное возможно, а то, что возможно, часто как раз невероятно.
В начале развёртывания сюжета у нас возникла мысль, что авторы фильма «Кто я?» Клим Шипенко (режиссёр и сценарист) и Тимур Вайнштейн (сценарист) представляют зрителям нечто вроде мистического триллера.
Но вскоре ожидание мистики отступило на второй план, а затем и совсем улетучилось, поскольку стало ясно, что вся коллизия кино связана с голой и неприглядной постсоветской реальностью курортных причерноморских городов.
В центре сюжета – 25-летний человек по имени Павел без определённой профессии и твёрдого заработка. Работая в летний сезон на пляже в Гурзуфе, он при споре о сломанном лежаке познакомился с девушкой Ольгой, которая, чтобы отделаться от грозившего ей штрафа за лежак, решила соблазнить Павла приглашением к ней в гости в Севастополь.
Павел взял телефон и через какое-то время поехал в гости. Но обещанная встреча не состоялась: Ольга не пришла встретить Павла, и тот остался в Севастополе до утра ввиду отсутствия автобуса на Гурзуф.
Сидя на лавочке у берега моря, Павел размечтался, и его мыслеобразы оформились в сюжет о встрече, которая бы перевернула всю его унылую жизнь.
Что было бы, если бы здесь, на пустынной набережной, Павлу повстречалась одиноко прогуливавшаяся кинозвезда местного масштаба по имени Анна? Всё, что при этом могло бы произойти, не отличается оригинальностью и напоминает стандартную выдумку парня, не лишённого амбиций, но не имеющего для их реализации материальных возможностей...
Авторы фильма так запутали сюжет, что воображение Павла может показаться вполне реальным. На самом деле он увидал на набережной как раз ту девушку Ольгу, ради которой собрался в Севастополь. Только она была не одна, а с парнем. И наш герой, уязвлённый обманом и женской хитростью, от нечего больше делать стал следить за счастливой парочкой, ходить вслед за ними буквально по пятам.
На каком-то этапе этого преследования Павла, как говорится, чёрт попутал. Да, именно так, поскольку все неблаговидные и тем более преступные мысли подбрасываются в сознание человека как искус извне с расчётом, что они зацепятся там за тёмную сторону личности.
Так случилось и в этой истории, которую её авторы хотя и придумали, но составили по образцу лучших литературных и кино-детективов.
Что касается заглавия «Кто я?», то оно в контексте фильма многозначно. Действительно, кто он, этот Павел как личность? В том-то и дело, что никто. Пусть он и является жертвой социальных пертурбаций. Но всё же, он не проявил никаких стараний и умений, чтобы заняться каким-либо более солидным делом, чем выдача лежаков на прокат на черноморском пляже.
Да, у него есть желания и амбиции, но они таковы, что ими можно легко манипулировать и направить молодого человека на гибельный путь.
И это же заглавие – «Кто я?» – как внутренний аналитический вопрос может и должен задать себе любой другой представитель молодого поколения, вообще каждый человек, обязанностью которого является осмысление своей роли и места в жизни, назначения в этом мире.
Фильм «Кто я?», таким образом, имеет подтекст, и его нельзя воспринимать только как чересчур «закрученный» детектив.
Добавим к сказанному, что группа актёров, которые были заняты в съёмках, отыграла назначенное им на отлично.
© А. Ф. Рогалев.

суббота, 22 апреля 2017 г.

Фильм-погоня. Комментарий к фильму «Поймай меня, если сможешь» (2002 год).

Фильм Стивена Спилберга «Поймай меня, если сможешь» (2002 год) относится вы первую очередь к жанру авантюрной трагикомедии, снятой по реальной жизненной истории. Стивен Спилберг экранизировал книгу, написанную героем повествования Фрэнком Эбегнейлом-младшим совместно со Стэном Реддингом.
В центре сюжета – необычайный по умению авантюрист, шулер и обманщик, менявший своё амплуа, побывавший в роли второго пилота «Пан-Американ», врача-педиатра и даже помощника прокурора и наживший путём подделки чеков миллионы долларов. Перевоплощения из пилота во врача, из врача в юриста, перемещение из города в город и смена имён понадобились Фрэнку, чтобы заметать свои следы и путать агентов ФБР, буквально охотившихся на него долгое время.
Безупречная режиссёрская и операторская работа, отличное исполнение двух главных ролей (Леонардо ДиКаприо и Том Хэнкс), динамичный, порой просто захватывающий сюжет и мастерская стилизация обстановки под внешние реалии 1960-х годов заслуженно принесли фильму «Поймай меня, если сможешь» славу и высокий рейтинг по разным оценкам и показателям.
С другой стороны, фильм снят по-американски и для американского менталитета. Герой фильма тоже представляет собой типичного американского супербоя – пробивного, смелого и наглого в высшей степени.
ДиКаприо представляет зрителю не силу и мощь кулаков, а дьявольски хитрый ум и удивительную сообразительность, выдержку и хладнокровие в самые критические минуты.
Герой фильма, этот Эбегнейл-младший, безусловно, является отрицательным типом. Но это именно тип, а не исключительный случай. Такие ловкачи встречаются, причём они рождаются как раз с такой жизненной программой, составленной и руководимой высокими адептами Иерарха Отрицательной системы.
Иначе трудно и объяснить неимоверную изощрённость и ловкачество молодого человека, которому не исполнилось и 21 года, его однозначную зомбированность на обман и мошенничество.
Удивительно, но Фрэнк Эбегнейл даже при всём понимании его отрицательной сущности восхищает. Мы думаем, что это происходит из-за исполнения роли не кем-нибудь, а талантливым интерпретатором разных типов Леонардо ДиКаприо. Будь на его месте другой актёр, и Фрэнк Эбегнейл смотрелся бы и выглядел иначе и, скорее всего, вызывал бы иные эмоции.
Что касается комедийного заряда фильма, то  он связан прежде всего с образами агента ФБР Карла Хэнрэтти (актёр Том Хэнкс) и его помощников. Видимо, намеренно сценарий составлен именно так, чтобы действия правоохранительных органов выглядели бы как комичные, а сами персонажи – как недотёпы в той или иной степени.
Да и фильм снят намеренно как игра-погоня, в которой догоняющий всегда спотыкается в решающий момент.
Если бы нее было таких ходов создателей фильма, то и сам киносюжет, несомненно, в значительной степени потерял бы свой мажорный эмоциональный заряд и был бы более обыденным и даже рутинным.
Нужно сказать и о том, что в сюжете фильма, помимо авантюрной трагикомедии, присутствуют и зримые элементы семейной мелодрамы.  Сюжет состоит из двух рельефных линий: одна представляет разошедшегося не на шутку в своих преступных махинациях Фрэнка, другая связана с историей семьи Эбегнейлов. И в этой второй линии сценаристы и режиссёр ищут ответ на вопрос, как же стал возможен феномен Фрэнка Эбегнейла-младшего.
Однако, как нам представляется, семейная история может быть только фоном, на котором  появился и действовал необычайно сноровистый шулер, но никак не причиной его антиталанта.
Люди, подобные Фрэнку Эбегнейлу или Остапу Бендеру, не формируются исподволь, как может показаться и действительно кажется многим, а рождаются готовыми с однозначно направленной жизненной задачей, которая включается как программа при достижении определённого возраста.
Естественно, что в таком случае избранным людям подбирается и соответствующая семейная и социальная почва. Таковы тайны хода жизни и тех игровых ситуаций, в которых задействованы необходимые индивиды, совершенствующиеся именно по отрицательной доминанте своей души.
Характерно, что Фрэнк Эбегнейл-младший, получив необходимые навыки, высшую преступную квалификацию своего рода, не сгнил в тюрьме, как можно было бы ожидать (первые эпизоды фильма на это намекают), а переквалифицировался не без участия того же ФБР в сотрудника спецслужб, отрабатывающего свои грехи на ловле аналогичных шулеров.

© А. Ф. Рогалев.

четверг, 20 апреля 2017 г.

Психологическая драма «Второй – лучший» (1994 год)

Жизненная программа мальчика по имени Джеймс терниста и драматична. С раннего детства он должен был познать горечь расставания с родителями. Мать его, наркоманка, покончила жизнь самоубийством фактически на глазах сына, отец, тоже, скорее всего, наркоман, попал в тюрьму.
Психика Джимми серьёзно травмирована, и к десяти годам он квалифицируется как трудный подросток, способный на всевозможные экстравагантные выходки.
Весь смысл существования Джимми заключается в ожидании отца, который время от времени, освобождаясь из тюрьмы, в буквальном смысле похищает сына из спецшколы и проводит с ним несколько дней вдали от социума, например, в лесу или у берега моря. Затем он возвращает Джимми в школу, позвонив в полицию и сообщив место нахождения мальчика, которого он оставляет на проезжей дороге в какой-нибудь деревне.
У отца Джимми есть своя тайна, о которой не знает мальчик. Отец болен СПИДом, и для него нет будущего с сыном, которого он горячо любит, впрочем, как и мальчик – отца. Время от времени он действительно попадает в тюрьму за мелкие преступления, но понимает, что для сына нужна прочная семейная опора и заботливые родители.
Такова основа художественной драмы «Второй – лучший», снятой в 1994 году режиссёром Крисом Менгисом по одноимённому роману английского писателя и сценариста Дэвида Кука (1940–2015), написанному в 1991 году.
Второй лучший как персонаж – это Грэм Холт, флегматичный сорокадвухлетний холостяк, живущий в пригородной деревне. Ему было суждено стать не просто опекуном Джимми, но и фактически вторым отцом.
Как это случилось – показано в фильме. Но случайного здесь нет, поскольку вдруг и просто так ничего не происходит.
У Грэма семейная жизнь не сложилась. Фактически он даже и не знал женщин. Не умел и не стремился найти к ним подхода. Да и в детстве, будучи единственным сыном внешне порядочных отца и матери, не чувствовал в полной мере родительской любви, особенно отцовского внимания.
Так бывает, что родные по крови отец и сын являются фактически чужими друг другу. И в то же время отыскивается человек, в данном случае – трудный ребёнок, к которому у мужчины, когда он увидел фото мальчика, сразу же проявилось особое чувство, заставившее Грэма решиться на усыновление.
Мальчик и мужчина нуждались друг в друге и взаимно проводили психологическую терапию, позволившую им трансформироваться в сына и отца. Подчеркнём это особо: два главных действующих лица – это родственные души, нашедшие друг друга в жизни, в проблемных для обоих ситуациях.
Грэм Холт сумел завоевать уважение и доверие мальчика, которому он призван был дать то внимание и отцовскую любовь, чего сам был лишён в детстве.
Как видим, та или иная жизненная задача не обходится без определённого наказания и этим же и обусловлена. Возникающие жизненные коллизии являются фактически игровыми сценариями, в которых есть назначенные роли и подобранные на эти роли актёры.
Фильм «Второй – лучший» можно рассматривать как  наглядное художественное пособие по подростковой психологии, особенно в плане работы с трудными детьми.
Сценарий и развитие сюжета весьма динамичны, а драматическая основа фильма, в центре которой – психологический поединок претендента на отцовство и потерявшего доверие к взрослым мальчика, делает фильм интересным и даже увлекательным.
© А. Ф. Рогалев.