Простор для мысли

Простор для мысли

воскресенье, 15 октября 2017 г.

Сочетание детектива и мистики в фильме «Cold Moon» («Холодная луна», 2016 год)

В американском фильме 2016 года «Холодная луна», снятом режиссёром Гриффом Фёрстом, являющимся также одним из сценаристов (наряду с Джеком Снайдером и Майклом Макдауэллом), нет больших загадок и сложных головоломок.
Здесь всё становится ясно сразу же, но тем не менее смотреть этот фильм интересно. Исполнен он вполне добротно, на стыке двух жанров – детективного и мистического, сочетание которых в данном случае приемлемо.
События разворачиваются в небольшом городке, где неофициально правит семейство банкира Джеймса Редфилда. Сам глава семьи стар и болен, не встаёт с инвалидного кресла. Делами заправляет беспринципный и до жестокости эгоистичный сын банкира – Нейтон Редфилд.
Эти ненасытные финансисты прибрали к рукам в городе и его окрестностях почти всё, за исключением земли, принадлежащей семье Ларкин. На участках Ларкин выращивается для продажи черника. Но урожаи ягод из года в год падают, и семья вынужденно берёт кредиты у Редфилдов, вернуть которые, увы, не удаётся.
Это сделать тем более трудно, что во главе семьи после нелепой смерти супругов Ларкин осталась бабушка, живущая с двумя внуками – сестрой и братом.
В самом начале фильма погибает и внучка Маргарет, причём в насильственном характере её смерти ни у кого нет сомнения. Шериф Тед Хейл теряется в догадках, но никак не соглашается принять версию бабушки Ларкин, которой во сне была дана информация об обстоятельствах гибели Маргарет и указан убийца.
Череда жутких преступлений проходит через весь сюжет и перемежается с видениями, которые можно было бы принять за проявление инобытия, но они в действительности являются мыслеобразами, исходящими из сознания убийцы.
Так его наказывает сам рок, и его преступные деяния становятся явными для всех, поскольку этот субъект уже не в силах контролировать свои галлюцинации, ведущие его самого к страшному концу.
Идея фильма «Холодная луна» в связи со сказанным формулируется вполне определённо: за любое прегрешение, а тем более за преступление и убийство придётся расплачиваться сполна.
Название киносюжета мотивируется тем, что все убийства происходили поздним вечером, при свете луны, являвшейся единственным и как будто безучастным свидетелем преступлений. Но ведь известно, что Луна как небесное тело считается не просто царицей ночи, но и хозяйкой и покровительницей Тёмного мира, во власти которого неизбежно оказывается сознание всех тех, кто становится на путь преступлений.
© А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.

пятница, 13 октября 2017 г.

Идейно-тематический план фильма «Охотник на лис» («Foxcatcher», 2014 год)

Фильм Беннетта Миллера, снятый в 2014 году по сценарию, написанному на основе действительной истории двумя авторами – Э. Максом Фраем и Дэном Футтерманом, просто великолепен. Но он не для всех, и мы относим его к категории «Интеллектуальное кино», входящей наряду с иными категориями, в раздел киноискусства под названием «Артхаус».
В жанровом отношении «Охотник на лис» – типичный психологический триллер. В таких фильмах важны не события как таковые, а состояние сознания действующих лиц, в данном случае главного героя киносюжета – Джона Дюпона, обладателя шикарного родового поместья «Лисья нора» и несметного богатства, нажитого не столько им самим, сколько его родителями и дедушками на основе бизнеса в химической промышленности, а ещё благодаря, без сомнения, свойственных всему этому роду пронырливости, хитрости, лицемерию, лукавству и вероломству.
Таковы черты Лиса, являющегося родовым тотемом Дюпонов. Таков и сам нынешний хозяин поместья Джон Дюпон, кого замечательно сыграл актёр Стив Карелл.
На врождённые тотемные черты Лиса наложились сильная амбициозность и желание реализовать себя в жизни по собственному желанию, а не по нормам семейной традиции, олицетворяемой престарелой матерью, роль которой исполнила небезызвестная Ванесса Редгрейв.
В детстве Джон услышал от матери то, что она потом не раз повторяла ему в последующие годы: вольная борьба как вид спорта, к которой Джон проявлял интерес, является плебейским занятием. Куда благороднее конный спорт и вообще любовь к лошадям, целый табун которых мать держала в поместье до глубокой старости и до самого последнего дня своей жизни.
Джон ненавидел лошадей, а ещё он обозначил на своей одежде надпись Foxcatcher, охотник на лис, выражая тем самым готовность расстрелять в прямом и переносном смыслах вековые семейные традиции.
Этому человеку, одинокому по жизни, было мало богатства и роскоши. Он жаждал славы и всей душой стремился к тому, чтобы стать золотым…, нет, не Лисом, но Орлом Америки. Он видел в себе мецената национальной команды по вольной борьбе, тренера-отца чемпионов, лидера, обеспечивающего спортивную славу страны.
Создав в своём сознании соответствующий мыслеобраз, Джон Дюпон начал материализовывать его, не считаясь с затратами и не допуская даже и мысли, что кто-то или что-то помешает ему реализовать заветную мечту. Он уже был автором книги, делавшей его учёным-орнитологом, самообъявленным известным писателем, а теперь должен был стать тренером, вдохновляющим отобранных им лично людей из мира спорта на блестящие победы.
Ставка, сделанная Джоном Дюпоном на двух олимпийских чемпионах – братьях Марке и Дейве Шульцах, была верной. Именно они, эти прирождённые борцы и победители, были способны принести славу себе, стране, но в первую очередь Джону Дюпону, спонсировавшему их подготовку к завоеванию чемпионского золота.
Однако Джон не учёл одного: благодарность не равнозначна слепой покорности, раболепию и отказу от своего «Я». Людей нельзя доводить до состояния кукол, используемых на тренировках для отработки соответствующих приёмов и умений.
Впрочем, братья Шульцы, фактически купленные Дюпоном, держали себя вполне скромно и выполняли все главные требования хозяина.
Глубокий психологизм всей показанной истории в том, что Джон не смог справиться с собственной завистью к тем, кто был способен взойти на пьедестал. Ведь слава победителя доставалась именно им, получающим медали, а тренер, как бы он себя ни выставлял и ни рекламировал, всегда оставался в стороне, за пределами борцовской площадки и рядом с пьедесталом, но не на нём самом.
Травмированная с детства психика Джона Дюпона не позволяла ему гибко воспринимать происходящее. Этот писатель, орнитолог, филателист и филантроп отчаянно стремился к своей главной цели – стать символом времени, но, увы, преодолеть эту высокую планку только лишь слепой амбицией и самоуверенностью, подкреплёнными мешками с деньгами, он не сумел.
Что касается двух других ключевых ролей фильма – Марка Шульца (актёр Ченнинг Тейтум) и Дейва Шульца (актёр Марк Руффало), то они менее интересны, потому что, в отличие от Джона Дюпона, однозначны, предсказуемы и в силу этого относительно статичны.
Дейв показан больше не как спортсмен, а как семьянин и тренер, стремящийся к достатку в семье и жизненному спокойствию.
Марк мешковат по фигуре, флегматичен и даже несколько туповат, а по манере держать себя вполне соответствует своей профессионализации. Он однозначно нуждается в человеке, который бы вёл его по жизни и формулировал ему те или иные задачи. Именно таким он показан.
На роль руководителя Марка было два претендента – его старший брат Дейв и возомнивший себя отцом спортсмена-героя Джон Дюпон. Чем это закончилось, станет ясно в самом конце фильма, снятого в напряжённом стиле, с преобладанием серых красок и предсказуемым с самого начала драматическим разворотом сюжета.
Источник: © А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.

понедельник, 9 октября 2017 г.

Весьма добротный мистический фильм Святослава Подгаевского - "Невеста" (2017 год)

Режиссёр Святослав Подгаевский порадовал в начале 2017 года любителей мистических историй и всяких страшных тайн добротно снятым фильмом «Невеста», сценарий к которому написали сразу три автора – Владислав Северцев, Дмитрий Литвинов и Заур Болотаев.
Как обычно бывает в таких киносюжетах, вымысел здесь органично сочетается с эзотерической реальностью, то есть с тем, что составляет суть скрытого от непосредственного восприятия людьми плана бытия, дверь в который может приоткрыться в любой момент, особенно в определённых местах, называемых пространственно-временными переходами.
Таким местом как раз и является старый дворянский особняк, находящийся на окраине некоего маленького городка. В этом доме живёт странная семья – постоянно молчащий отец, его взрослая дочь с двумя детьми до десяти лет и ещё кое-кто, в том числе не только появляющиеся тут эпизодически родственники, но и некая энергобиологическая Сущность, о которой обитатели дома знают, но предпочитают о ней не рассказывать.
Данный факт составляет семейную тайну, уходящую в XIX век, во время, когда ещё существовал крепостнический уклад. Именно тогда предок семьи, помещик, потерял суженую перед самой свадьбой.
Она умерла, и отчаявшийся жених-барин, то ли от психического потрясения, то ли от наваждения, насланного на него из Тёмного мира, совершил жуткий ритуал, суть которого заключалась в том, чтобы не только оставить душу умершей в человеческом мире, но и вселить её в тело другой девушки, специально выбранной для этого молодой и симпатичной крепостной крестьянки.
Подобные мистические ритуалы приводят либо к жуткой драме, либо к настоящей трагедии. В выбранном для вселения теле действительно оказывается Некто, но только не та и не тот, кого кто-то желает оставить рядом с собой. Проведя ритуал, барин открыл дверь в параллельное пространство, через которую в его дом вошла тёмная Сущность, поработившая самого барина и всех обитателей дома в нескольких поколениях.
Основные события фильма «Невеста» разворачиваются в новое время. В бывший барский особняк приезжают молодожёны – Иван (актёр Вячеслав Чепурченко) и Настя (актриса Виктория Агалакова). Иван является одним из представителей рода, который страдает от совершённого более ста лет назад посмертного ритуала. Настя – студентка-филолог, ничего не знающая о том, какой свадебный подарок уготовили ей её муж, его сестра Лиза (актриса Александра Ребенок) и вся их семья.
В сюжете есть некоторые очевидные натяжки. Например, во времена крепостного права не было ни пластинок с записями музыки, ни граммофонов. Никак не вяжется с современностью и то, что намеревались сделать с Настей родственники её мужа, решившие использовать её тело как новый «футляр» для бестелесной Сущности.
Зато идея с негативами в чёрно-белой фотографии, на которых запечатлены мертвецы, очень даже интересная и правдоподобная – именно тем поверьем и обычаем в России второй половины XIX века, с которыми было связано изготовление таких негативов.
Фильм «Невеста» впечатляет своей напряжённой атмосферой, периодическими видениями Насти, когда её сознание переключалось в восприятии действительности на иной временной план, и в целом событиями в старом особняке, широкие внутристенные коридоры которого со скрытыми комнатами ассоциируются с параллельным пространством, из которого приходит вершитель жуткой семейной кармы.
© А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.

понедельник, 2 октября 2017 г.

Простая житейская история в мелодраме «Травести» (2006 год)

Режиссёр Станислав Митин в 2006 году снял по сценарию Игоря Агеева весьма непритязательный, но тем не менее вполне жизненный фильм под довольно оригинальным названием «Травести».
Слово травести (от итальянского глагола travestire – «переодевать») в данном случае означает «актриса, играющая мужские роли, в том числе роль мальчика Гавроша в спектакле Зори Парижа». Речь идёт о главной героине фильма – актрисе Театра юного зрителя в городке Таруканске Ирине Барышевой.
Когда-то она приехала сюда после окончания театрального института вместе с группой молодых актёров, готовых дерзать и творить, по предложению их куратора режиссёра Юрия Васильевича Кротова. Прошло время, многие из приехавших разлетелись в разные стороны. Оставшиеся деградировали, а вот Ирина Барышева благодаря врождённой пассионарности и любви к актёрской профессии стала ведущей актрисой театра.
Название города Таруканска вымышленное, но в нём по созвучию читается название Туруханск, которое ныне носит административный центр Туруханского района Красноярского края России. События фильма действительно разворачиваются в небольшом северном городке, для которого театр юного зрителя является чуть ли не главным и даже единственным культурным центром.
По воле судьбы в этом провинциальном театре оказывается выпускник петербургской театральной академии Сергей Маланько, волевой и настойчивый человек двадцати восьми лет.
У Сергея несомненный талант актёра, и он вполне может претендовать на ведущие роли в столичных театрах. Но его жизненная программа составлена иначе. Возможно, он и станет когда-либо театральной знаменитостью, но это, если и произойдёт, то за кадрами данного киносюжета.
Пока же ему придётся играть роль сказочного Емели в детском спектакле вместе с Ириной Барышевой и решать предложенную жизнью задачу с несколькими вариантами: оставаться в таруканском ТЮЗе, устраивать личную жизнь с Ириной, которая отвечает ему взаимностью, или же бросать всё и уехать в Санкт-Петербург, откуда поступают настойчивые предложения о престижных ролях и многообещающей карьере.
Что касается Ирины Барышевой, то её театральное амплуа травести тоже оказывается значимым применительно к её жизненному выбору. Она решает непростую дилемму: остаться в ТЮЗе на прежних, вполне устоявшихся ролях, сохранить уже сделанный ранее выбор и полученный статус ведущей актрисы провинциального театра или же сменить всё, сбросить прежние одежды, переодеться и смело, доверившись Сергею Маланько, претендовать на иную для себя роль, отправляясь по дороге жизни в поисках счастья.
Фильм снят просто, но убедительно и отличается хорошей игрой занятых в нём актёров, прежде всего Анны Вартаньян (роль Ирины) и Ильи Носкова (Сергей), а также Сергея Барковского (роль главного режиссёра таруканского театра).
© А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.

воскресенье, 24 сентября 2017 г.

Потерянные души в мелодраме Бернардо Бертолуччи «Последнее танго в Париже» (1972 год)


Этот, ставший вполне классическим, фильм Бернардо Бертолуччи, в своё время шокировал благонамеренную публику откровением изнанки человеческой души. Его называли порнографическим, а в ряде стран даже запрещали к показу в кинотеатрах.
В наши дни сценами секса на экране уже нельзя сильно удивить и тем более шокировать. И по сравнению с нынешним эротическим кино, фильм уже далёкого 1972 года «Последнее танго в Париже» выглядит вполне невинным.
Но тем не менее этот двухчасовый киносюжет оставляет неприятный осадок в сознании и душе, поскольку представляет собой не что иное, как демонстрацию инстинктов человека, утратившего морально-нравственные скрепы в своём травмированном сознании.
В центре повествования два персонажа – Он и Она, изначально не названные по именам. Мы даже не знаем, кто они, откуда взялись и чем вообще занимаются.
Всё так или иначе проясняется постепенно, по мере упрочения отношений между этими людьми. Вначале же всё подчиняется желанию главного героя, выраженному в словах «как хорошо ничего не знать».
Главное, что можно сказать об этих людях, это их потерянность в человеческом социуме, в жизни вообще.
Они столкнулись друг с другом как будто случайно, но ведь случайного не бывает, ничего не происходит просто так.
Их встреча, сначала на парижской улице, а затем в некой заброшенной квартире, предназначенной для найма, куда они оба, независимо друг от друга пришли в один день, представляется нам как притяжение двух душ, находящихся в атомизированном социуме, где никому нет дела ни до кого другого.
Он, по имени Поль, потёртый жизнью человек под пятьдесят лет, находится в депрессивном состоянии после ряда жизненных неудач и особенно после смерти жены, перерезавшей себе вены.
Она, по имени Жанна, особа примерно двадцати лет, неизвестно откуда приехавшая в Париж, ищет какого-либо пристанища для себя, причём, не столько квартиру или хотя бы комнату для жилья, сколько человека, который проявит участие в её существовании, заинтересуется ею, окажет внимание и при самом благоприятном стечении обстоятельств возьмёт в жёны.
То, что эта Жанна так легко отдалась Полю, сразу же на первых кадрах их знакомства, говорит об отчаянном положении женщины, не знающей, как быть и что делать дальше в огромном городе, где она совсем одна.
Он же, этот Поль, безусловно, потерял всякие тормоза в отношении к себе и другим, перешёл за грань, называемую пристойностью.
Ему надо отрешиться от всего случившегося, от несложившейся жизни,  от непомерного психологического груза, который давит на его сознание. И появившаяся в этот момент Жанна оказалась для него как нельзя кстати.
Она была принята им как объект для сброса накопившегося психического и энергетического негатива. Именно этим и объясняется фактически извращённое физическое воздействие на молодую женщину, её животное изнасилование.
Бернардо Бертолуччи как режиссёр и один из авторов сценария не стеснялся в показе выхода из человека его низменных инстинктов, а исполнителю роли Поля (актёр Марлон Брандо) удалось представить это зрителю весьма наглядно и убедительно – как в поступках, так и в суждениях.
Что касается роли Жанны (актриса Мария Шнайдер), то это роль жертвы, сначала сознательной и добровольной, а затем принудительной. И как только Жанна осознала своё роковое предназначение для Поля, наступила решительная развязка, которой фильм и завершается.
Конец Поля предрешён его психическим состоянием, исключающим мало-мальски конструктивное отношение к действительности.
Психическая деструкция этого человека наглядно проявляется не только в его поступках и действиях по отношению к Жанне, когда они остаются наедине, но и весьма красноречиво в танце танго на каком-то вечере или танцевальном конкурсе, где оказались герои фильма.
На фоне изящно танцующих пар, движущихся в характерном для танго энергичном и чётком ритме, танец Поля и Жанны выглядит намеренной пародией и разрушением существующих правил: партнёр мнёт свою партнёршу и тащит её по полу, что вызывает недоумение присутствующих, переходящее в возмущение и протест.
Это танго, обусловившее название фильма, выглядит как красноречивый образный пример полного разрушения сложившихся стереотипов и норм применительно к человеку, выпавшему из социальной ячейки, в которой он до поры до времени находился.
Об этом и фильм, снятый Бернардо Бертолуччи, который в жанровом отношении, на наш взгляд, является философской мелодрамой.
© А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.

четверг, 21 сентября 2017 г.

Одно из возможных пониманий фантастического фильма «Высота» («Altitude», 2010 год)

В этом канадско-американском фильме режиссёра Кааре Эндрюса (сценарист – Пол. А. Биркетт), несмотря на некоторую сюжетную сумбурность, есть то, что делает его примечательным. Это – скрытый смысл, теряющийся в полёте самолёта среди сгущающихся облаков, переходящих в сплошную огромную и весьма мрачную тучу.
Смысл фильма в какой-то мере проясняется почти в самом конце, а до этого зритель напряжённо следит за тем, что происходит на борту небольшого самолёта, находящегося в аварийном полёте.
Начало киносюжета вполне стереотипное: пятеро молодых людей (две девушки и три парня) отправляются поразвлечься куда-то в горы или за горы, как будто на концерт. Они садятся на самолёт, предназначенный для полётов на близкие расстояния. За штурвалом – дочь лётчика Сара, недавно получившая лицензию пилота.
Трое пассажиров – Мэл, Сэл и Кори веселы и шаловливы. Зато Брюс, сидящий рядом с пилотом Сарой, выдаёт выражением своего лица явное беспокойство и тревогу. Создаётся впечатление, что он что-то предчувствует, о чём-то догадывается или наверняка знает.
Потом он скажет, что ему не следовало садиться в этот самолёт и тем самым обрекать на смерть находящихся на борту людей, потому что обладает редкой способностью притягивать дурные события своими  мыслеобразами, а его сознание в момент полёта как раз было настроено на негативный итог.  
Действительно, вскоре после начала полёта в самолёте возникают технические неполадки, а затем он вообще выходит из-под контроля Сары, влетает в появившуюся облачность и, наконец, попадает в чудовищную тучу, в которой горе-путешественники усматривают некое чудовище, похожее на небесного осьминога.
В начальном кадре фильма он, Брюс, маленький мальчик летит на самолёте вместе с родителями, а за штурвалом – мать Сары, тоже лётчица. Разговор идёт об увлечении Брюса литературой о динозаврах, которые чудятся мальчику в тех или иных пугающих его ситуациях.
Маленький Брюс всматривается в надвигающиеся облака, глаза его расширяются от страха, и тут самолёт вонзается в скопление тёмных кучевых облаков и возникает критическая ситуация, похожая на аварию и падение.
Тогда погибли мать Сары, родители Брюса, а сам Брюс выжил. После такого зачина авторы фильма переключают внимание зрителей на другую ветку бытия, где тот же Брюс садится в самолёт вместе с Сарой и тремя её друзьями, чтобы совершить развлекательный полёт на концерт.
Теперь он находится в похожей ситуации, уже взрослый, и конструирует действительность, сам не понимая до некоторого времени того, какой феноменальной способностью обладает.
Далее происходит то, о чём мы уже рассказали выше. В самый кульминационный момент фильма в небе среди тёмной тучи пересекается полёт двух самолётов, которые, однако, всё же разминулись и не врезались друг в друга.
Один из них совершает посадку на аэродроме. Из него выходит мальчик Брюс с родителями и пилотом, а среди встречающих – девочка Сара, прибежавшая увидеть возвратившуюся из полёта мать. Тогда Брюс и Сара впервые встретились и познакомились.
Второй самолёт с оставшимися на нём Сарой и Брюсом теряется в неизвестности.
Авторы фильма предложили зрителям своего рода головоломку, которая отгадывается, как мы полагаем, следующим образом: Брюс не только способен конструировать реальность, но и переходить на альтернативные ветки жизнедеятельности, менять варианты жизненной программы.
Конечно, это фантастика, но и она имеет свою логику: жизнь не только общества, но и каждого конкретного человека подчиняется категории вероятности, являясь не чем иным, как набором двух или более вариантов или возможностей развития событий.
  © А. Ф. Рогалев.

вторник, 19 сентября 2017 г.

Тихая и добрая кинодрама «Друзья на одну неделю» (Япония, 2017 год)

Фильмы из жанра «драма» бывают тихими и добрыми, если снимаются в благополучной стране, где общая социальная аура не отмечена критическим красным оттенком и энергетическими содроганиями.
Такова Япония, кинокомпании которой представили мелодраматическую историю двух старшеклассников – парня Юки Хасэ и девушки Фудзимии Каори. Авторы фильма (режиссёр Масанори Мураками и сценарист Матта Хадзуки) нашли интересную интерпретацию возникающей симпатии и зарождающейся любви.
Заглавие фильма, правда, способно дезориентировать зрителя. Но смысл его совсем не тот, который сразу приходит на ум: речь не идёт о скороспелой и быстро закончившейся дружбе. Дело в другом: Каори страдает диссоциативной амнезией, причём такого свойства, что по истечении недели забывает о бытовых событиях последних семи дней, хотя способна воспринимать и хорошо усваивать текущую информацию, в том числе учебный материал.
Психическое расстройство у девушки наступило после того, как она попала в автомобильную аварию. Каори трудно приспосабливаться в жизни, она не имеет друзей, держится одиноко в школе. При этом никто не знает о её болезни, поскольку родители перевели дочь в другую школу после того, что с ней случилось. Одноклассники считают девушку считают странной и нелюдимой.
Но вот её увидал весёлый и жизнерадостный парень Юки Хасэ, потом оказалось, что Каори зачислена в тот же класс, где учится и Юки.
История их взаимоотношений развивается по нарастающей. Юки не только не отказался от попыток установить дружеский контакт со специфической девушкой, но и придумал удачный способ, который позволил Каори не терять по истечении недели информацию о произошедших событиях.
Это было не что иное, как ведение дневника, который Юки и Каори поочерёдно передавали друг другу, предварительно записывая туда свои впечатления и все прочие сведения, которые они считали важными и необходимыми для себя.
Кульминация фильма достигает предела, когда в класс, где учатся наладившие дружбу Юки Хасэ и Фудзимия Каори, поступил из другой школы новый ученик – видный собой парень, который ранее симпатизировал Каори и имел все основания на ответную симпатию.
Именно с ним и с некоторыми другими учениками школы, где прежде училась Каори, как оказалось, и было связано то происшествие, из-за которого девушка частично утратила память на события в основном личного характера.
Данная мелодрама имеет счастливый конец. Но мы назвали её тихой и доброй не только из-за этого. Весьма примечательна стилистика фильма, без резких поворотов и каких-либо негативных действий с какой-либо стороны. Интересно наблюдать и за атмосферой в японской школе, соответствующей традициям японского этикета.
Здесь никто не дерзит, не грубит и не совершает противоправных поступков. Ученики почтительно кланяются учителям и в отношениях между собой, несмотря на очевидные резонансы и диссонансы, не переходят за грань дозволенного.
Можно даже утверждать, что фильм «Друзья на одну неделю», рассчитанный в первую очередь на молодёжную аудиторию, полезен для понимания японского менталитета и образа жизни современной японской молодёжи.
© А. Ф. Рогалев.

суббота, 16 сентября 2017 г.

Людоедский фильм «Шопинг-тур» (Россия, 2012 год). Комментарий.

Фильм Михаила Брашинского «Шопинг-тур» (2012 год) при буквальном его понимании вызывает недоумение: как можно снимать такую чушь?
В самом деле, в цивилизованной Финляндии пропадает группа туристов, отправившихся в поездку по финским супермаркетам. Причём, пропадает не при каких-то загадочных обстоятельствах, не поддающихся объяснению, а просто потому, что их… съели продавцы-финны в первом же крупном магазине.
Удалось спастись только двоим туристам – маме и её сыну-подростку Станиславу. Они и находятся в центре сюжета, являясь главными героями, действующими на фоне всех остальных лиц, появляющихся в кадрах.
Вот этот факт людоедства в современной Европе и есть подлинный абсурд, если, повторяем, понимать его буквально, в прямом смысле.
Ссылка на языческий обычай в Иванов день (день летнего солнцестояния) поедать иностранцев вообще смешна. Такое могло прийти в голову только мальчишке, фантазирующему от нечего делать в абсолютно неинтересной для него поездке в соседнюю с Санкт-Петербургом страну. Именно так мы и понимаем всё представленное режиссёром и сценаристом Михаилом Брашинским.
Мальчик Стас разочарован тем, что поездка в Финляндию, купленная его мамой, оказалась не познавательной, а примитивно «торговой». Ему ничего не остаётся, как забавляться с телефоном, подаренным матерью накануне путешествия. Он воображает себя журналистом, берущим интервью, затем режиссёром, снимающим фильм по собственному сценарию, в котором он, Стас, фигурирует как главное действующее лицо.
Возможно, Михаил Брашинский воплотил на экране свои детские воспоминания или просто придумал такой подход к фильму, сюжет которого якобы сочинён скучающим мальчишкой, снимающим к тому же всё, что попадает в кадр во время движения автобуса к границе, а затем и на территории соседней страны.
Этому соответствует и стиль фильма – мокьюментари, сочетающий элементы документального и художественного кино. Заметим, что и операторская работа стилизована как раз под любительскую камеру – дрожащую и прыгающую в ряде кадров.
В фильме «Шопинг-тур» есть и определённые идеи. Первая из них очевидна – гротескно-сатирическое изображение русских туристов, нередко едущих за границу исключительно с утилитарно-потребительской целью. Вот и отношение к ним финнов соответствующее – не как к людям, а как к живому мясу, годящемуся в потребление.
На таких бездуховных потребителей и рассчитано буквальное понимание людоедского фильма «Шопинг-тур». Более высокого по философии кино они понять не смогут.
Вторая идея связана с желанием создателей фильма пародировать жанр ужасов как таковой, причём сделано это так, что изображаемые кошмары вызывают однозначный смех – и ничего более.
В сюжете фильма просматривается и психологическая коллизия. Имеем в виду взаимоотношения матери и взрослеющего сына, поданные весьма правдоподобно, в полном соответствии с тем, что наблюдается в окружающей нас жизни.
Это же относится и к бытовым зарисовкам – туристы, автобус, поездка, гид, граница, магазины, выискивание товаров в огромных торговых залах...
При желании можно конструировать и эзотерический подтекст фильма: туристы, поехавшие в Финляндию, очутились не в Финляндии как таковой, а на какой-то параллельной ветке финского бытия, где сочетаются современная европейская атрибутика и пережитки древних культов, предполагающих людоедство.
Возможны и прочие толкования, поскольку сам фильм, вопреки его кажущемуся примитивизму, всё-таки многогранен. В любом случае в нём есть не только прямой текст, но и подтекст, что мы и попытались показать в нашем комментарии.

© А. Ф. Рогалев. Литература, кино, жизнь. – Гомель: Велагор, 2017. Ссылка обязательна.