Простор для мысли

Простор для мысли

пятница, 31 марта 2017 г.

Яркая историко-приключенческая драма «Беглецы» (Россия, Казахстан, 2014 год)

Режиссёр Рустам Мосафир снял этот фильм по мотивам повести Г. И. Пакулова «Ведьмин ключ». Кстати, рабочим названием фильма также было – «Ведьмин ключ». Но в сценарии это заглавие, в отличие от литературного источника, никак не мотивировалось, поэтому создатели картины в итоге остановились на заголовке «Беглецы», поскольку именно мотив бегства является зачином и основным смысловым стержнем киносюжета.
Из фильма зритель узнаёт весьма интересные исторические подробности о содержании ссыльных каторжников в сибирской глубинке в самом начале XX века.
Оказывается, ссыльные нередко бежали, как правило, группами, по несколько человек, из назначенных им мест отбывания наказания. И для поимки беглых задействовались вольнонаёмные охотники из осевших в Сибири на постоянное жительство русских, которым за такую работу неплохо платили – по червонцу за человека.
При этом каторжников не то чтобы ловили и возвращали обратно, а просто отстреливали как опасных лесных зверей. Для доказательства «пойманных» таким образом беглецов использовались отрезанные у трупов уши, а сами трупы подвешивались на сосны ногами кверху.
В самом начале фильма группа беглецов расстреливается настигшей их командой охотников во главе с бывалым и жестоким Кудимом. Но одному беглецу удаётся спастись, уйти от преследования.
Им оказался политический ссыльный, отправленный на каторгу за террористические действия по отношению к представителям царской власти. Всё дальнейшее повествование строится по схеме «погоня – спасение» с дополнительным включением в сюжет других лиц, помимо беглеца и охотников.
Ими являются коренные жители – эвенки, философски относящиеся к действиям чужаков, и, конечно же, старатели – те, кто искал и добывал кустарным способом золото в сибирской тайге, по берегам рек и ключей, в том числе в так называемых «местах силы», в урманах, то есть в глухих лесных местах с гиблыми болотами и ключами, часто имевшими аномальную энергетику, подобно Ведьминому ключу.
Кстати, название Ведьмин ключ – весьма характерно для описываемых мест. Тут могли обитать такие же ведьмаки и ведьмицы по природе, то есть люди, прибывшие в здешние края с шальной целью – найти золото, а если не найти, то отнять его у тех, кто нашёл.
Большинство из них дичает и фактически превращается в таёжных обитателей, напоминающих по образу жизни примитивных первобытных людей. Кстати, именно таковы три персонажа повести Глеба Пакулова «Ведьмин ключ».
В фильме действующих лиц больше, и они разнообразнее по характерам и приданным им функциям.
Фильм также во многом выигрывает от демонстрации таёжных пейзажей и животного мира (медведи), от самого исторического колорита, к которому вполне можно причислить и удачно костюмированный внешний облик персонажей.
Однако положительных героев здесь нет. Но от этого кино не становится менее значимым или неинтересным. Наоборот, фильм «Беглецы» как раз и примечателен тем, что представляет весьма колоритные отрицательные фигуры людей, для которых человеческая жизнь является разменной монетой в том деле, с которым они связали свою судьбу.
Название «Беглецы» с середины картины меняет свой первоначальный смысл. Поскольку из беглых каторжников в живых остаётся только один, то к нему в пару добавляется проживавшая со старателем Василием немая девушка Устя (актриса Елизавета Боярская), фактически его таёжная жена. Василий убит, и Устинья вынуждена делать решительный выбор – остаться в тайге одной, обрекая себя на роль забавы для охотников, или же пытаться уйти к железной дороге и прочь из тайги вместе с беглым политическим, Павлом (актёр Пётр Фёдоров), которому девушка сразу же приглянулась.
Фильму «Беглецы» после выхода его на экраны приклеили этикетку – истерн, созданную по аналогии со словом вестерн. Применительно к кино под словом истерн понимается авантюрно-приключенческий фильм, основанный на исторических событиях, происходящих не на Диком Западе (в Америке), а в русской Сибири.
И в этом плане фильм «Беглецы» напомнил нам давнюю уже и весьма популярную в своё время советскую кинодилогию – фильмы «Пропавшая экспедиция» (1975 год) и «Золотая речка» (1976 год), созданные режиссёром Вениамином Дорманом именно в стиле истерна, где есть вся та же атрибутика, что и в фильме «Беглецы», – авантюризм, жажда наживы, золотая лихорадка, опасные приключения, преступления, погони, убийства.

© А. Ф. Рогалев.

Идея и образы фантастической мелодрамы «Чрево» (2010 год)

Мы привыкли к фантастическим триллерам или просто к невероятной фантастике с элементами мистики и превращений. В данном случае речь идёт о фантастической мелодраме, снятой в 2010 году венгерским режиссёром Бенедеком Флигауфом по его собственному сценарию. В русскоязычной адаптации фильм имеет два названия, соответствующие исконному заглавию «The womb», – «Чрево» и, второе, «В утробе».
Некая маленькая девочка по имени Ребекка приезжает пожить у дедушки в небольшом приморском посёлке, находящемся, как можно понять, на острове. Где происходят события – неизвестно. Да это не так уж и важно. Главное другое: они происходят в будущем, когда стало возможным клонирование человека и воспроизводство умершего или погибшего в результате несчастного случая.
Далее по сюжету происходит знакомство Ребекки с мальчиком по имени Том. Между детьми устанавливается не просто дружба, а связь, основанная на пробуждающемся сексуальном чувстве. Режиссёр допускает эпизоды, которые, хотя и сняты деликатно, но с намёком и могут интерпретироваться в зависимости от фантазии зрителя.
Прошло какое-то время, и Ребекка покидает дом дедушки, переезжает с матерью на постоянное жительство в Японию. Уезжая, она увозит с собой образ Тома и спустя много лет, получив образование программиста, возвращается уже взрослой девушкой на остров, где когда-то жил её дедушка. Возвращается не просто так, а ради Тома.
Том живёт там же, но он подзабыл Ребекку. По крайней мере, не держал её в памяти так прочно и страстно, как это было у Ребекки по отношению к Тому.
Взрослый Том занимается экологическими проблемами, именно они для него важнее любых личных отношений. Тем не менее он принял девушку, даже заинтересовался ею под воздействием нахлынувших воспоминаний детства, но, на свою беду, не мог и помыслить о том, что новая встреча с Ребеккой окажется для него роковой.
Да, это именно так. Образ Ребекки в исполнении актрисы Евы Грин с застывшим на её лице обречённо-жертвенным выражением трагичен и демоничен одновременно. Может быть, у кого-то он вызывает иные ассоциации, но в нашем восприятии от внешей красоты этой девушки-женщины веет смертью.
Том, едва начав новые отношения с Ребеккой, погиб при нелепых обстоятельствах, косвенно по её вине. И она это знает и, как может показаться, пытается искупить свою вину тем, что делает дальше. Впрочем, её действия лишь мотивируются собственной виной, а подспудно Ребеккой движут иные чувства и желания.
Мелодрама, курсируя, переходит в фантастическую фазу: Ребекка не без участия отца Тома воссоздаёт погибшего по его ДНК, вынашивает плод и посредством кесарева сечения рождает то ли сына, то ли возлюбленногоо и потенциального мужа. По крайней мере, замысел Ребекки, как нам представляется, вращался в этой плоскости. Ей нужен был Том не как сын.
Тем не менее она терпеливо ждёт, пока воссозданный ею человек подрастёт, наблюдает за эволюцией тела Нью-Тома, видит то, чего не видела и не могла видеть ранее. Вновь следуют сцены с полунамёками на особое отношение Ребекки к новому Тому, который как две капли воды физически похож на погибшего.
Отношение жителей посёлка к «дубляжкам» (так называли там тех, кто родился в результате клонирования) было не очень приветливым. Поэтому Ребекке пришлось поселиться вне посёлка на самом берегу моря во вновь выстроенном доме.  
С этого момента в сюжете начинаются явные пробелы и натяжки. Получается, что Ребекка сама построила жилище для себя и Тома, что, в принципе, невозможно. Жилище оборудовано и даже снабжено интернетом. Откуда он здесь, на пустынном морском берегу?
При этом долгие годы Ребекка нигде не работает. Только и занимается «выращиванием» клона. Но за какие доходы она живёт сама и ещё содержит подрастающего парня?
Более того, Том растёт, из мальчика превращается в мужчину, а Ребекка ничуть не изменяется, не стареет и не увядает, сохраняя всё то же сексуальное ожидание, имея в виду Тома, как и раньше. Кто же она в таком случае? Может быть, она тоже клон, только несколько иного рода и назначения, нежели Том?..
Его судьба трагична вдвойне: мало того, что Том погиб в автокатастрофе, так ещё и был воссоздан, чтобы по прихоти своей создательницы страдать ещё больше – нравственно и ментально, когда, наконец, подошёл к необходимости самоидентификации и осознания своего специфического статуса.
Финальная сцена фильма вообще шокирует. Мы умолчим о её подробностях. Но скажем, что здесь наиболее ярко проявилось ненормальность и отвратительность того, о чём рассказывается в фильме.
По всей видимости, автор сценария и режиссёр Бенедек Флигауф специально подвёл зрителя к такому финалу, чтобы окончательно осудить саму идею клонирования и воссоздания копии умершего как возможный проект будущего. В этом, как мы полагаем, и заключается главный замысел автора фильма.
Что касается клона как такового, то ведь известно, что сутью человека является не физическое тело, а матрица, или душа, которую клонировать людям, в отличие от бренного тела, ни при каких условиях не удастся.
Душа содержит в себе все творческие характеристики личности и неповторима, а клоны в большинстве своём действуют как стандартные роботы или зомби с заложенной в них однообразной программой.
Если же в них и вселяется душа, то она может быть сторонней, даже демонической, поскольку именно клоны избираются всякими тёмными сущностями для проникновения в мир людей с теми или иными неблаговидными целями.
Кстати, в одной из сцен фильма Том-первый как биолог в разговоре с Ребеккой рассуждает о неповторимости любого явления жизни. Он как бы внушает Ребекке мысль, которую она в пылу своих эмоций и неудовалетворённых сексуальных желаний упустила, когда решалась на клонирование умершего возлюбленного.
Возвращаясь к фильму, скажем, что само его название – «Чрево» или «В утробе» – явно ассоциируется не с жизнью, а с некой замкнутой плоскостью для производства животного начала или даже с могилой.  В целом, фильм вызывает неприятные воспоминания, связанные прежде всего с образом Ребекки, трагическим в ещё большей степени, чем образ Тома.
Интересными находками режиссёра являются поданные крупным планом отдельные детали и картины, имеющие тот или иной подтекст.
Например, живая улитка, прячущаяся в раковину и заключённая к тому же в спичечную коробку Тома-первого. По мысли мальчика, она была предназначена к путешествию в Японию вместе с Ребеккой, но так и осталась лежать в спичечной коробке с запиской «Я буду ждать тебя столько, сколько придётся».
Или же игрушка-динозавр, которую дети закапывают, будучи заведённой и как бы живой, в могилу…
К чему эти второстепенные образы? Они, конечно же, соотносятся с образом Тома, поскольку исходят от него, и аллегорически подчёркивают его незавидную судьбу.
От этих образов веет всё тем же чревом или могилой. В результате и фильм получился или намеренно был создан мрачным по духу и содержанию. Несмотря на попытку возродить жизнь, что заложено в основу сюжета, жизнеутверждающее начало в фильме отсутствует.

© А. Ф. Рогалев.

вторник, 28 марта 2017 г.

Лекарства ради наживы. О фильме «The cure» («Лекарство», 2014 год).

Режиссёр и сценарист Дэвид Гулд представил в 2014 году американо-новозеландский фильм «Лекарство» («The cure»), посвящённый весьма важной гуманитарной проблеме – отысканию лекарства от онкологических заболеваний.
В фильме весьма убедительно и красноречиво показано, как корпорации, специализирующиеся на производстве и продаже лекарств, намеренно блокируют все открытия в области фармакологии, которые ведут к окончательной победе над той или иной болезнью. Дельцам выгоднее производить лишь то, что облегчает состояние больных, но не излечивает окончательно.
Таков и Лайонел Стентон, глава фармацевтической корпорации, для которого нажива и нескончаемый денежный поток важнее всяких гуманитарных соображений. Совесть его спит, а профессиональный долг он подчинил меркантильным соображениям.
Для того чтобы опередить конкурентов и поскорее выпустить новый продукт, он заставляет одного из своих опытных биохимиков проводить рискованные и во многих случаях смертельные эксперименты на людях. Для этого в здании корпорации обустроен подземный этаж, где находятся секретные лаборатории с комнатами для экспериментов.
В одной из таких комнат свалены скелеты тех, кто когда-то проходил испытания лекарств за денежное вознаграждение. В основном, это нищие и бездомные эмигранты из латиноамериканских стран. Впрочем, этот эпизод выпадает из общей канвы захватывающего драматического повествования: зачем же хранить трупы, постепенно превращающиеся в скелеты, в какой-то комнате?..
Молодые специалисты корпорации, Бет и Райан, нашли средство, позволяющее значительно снизить побочные эффекты, которые вызывают различные химиотерапевтические препараты, являющиеся по сути своей лечащими ядами. Но Лайонел Стентон думает не о людях, а о растущей прибыли, поэтому проект своих биохимиков он блокирует.
Более того, у главы корпорации есть и эффективное лекарство от рака. Он испытал его на умиравшем сыне своего сотрудника. Сын излечился, а сотрудник стал с тех пор фактическим рабом хозяина. Ему под страхом смерти сына и угрозой заключения в тюрьму запрещено разглашать тайну о чудодейственном лекарстве.
Вокруг этого придуманного факта и разворачиваются основные события фильма, в которых оказываются задействованными и уже названные нами выше биохимики-фармацевты Бет и Райан.
Девушку Бет движет память об отце, умершем на её глазах, и она действуют бескопромиссно. Её же компаньону и возлюбленному Райану предстоит преодолеть собственный искус подзаработать в случае победы над шефом.
Фильм «Лекарство» анонсировался не только как триллер, но и как фантастика. Вымышленным, как мы уже сказали, является сокрытие якобы найденного эффективно действующего средства против онкологических заболеваний. Но в контексте повествования это выглядит не как фантастика, а как предположение или допущение.
Не исключено, что показанное в киносюжете на самом деле является правдой. Слишком уж реалистично показано то, что творится за стенами крупных фармацевтических компаний. Характерно, что после съёмок фильм почему-то не распространялся через кинотеатры…
Фильм «Лекарство» снят  молодым режиссёром и сценаристом в одном лице. Роли сыграли такие же молодые актёры. Но это не повлияло существенным образом на сам замысел и на качество его воплощения. Кино смотрится как захватывающий триллер до последней минуты, когда главная коллизия сюжета и разрешается.
Нам остаётся только сказать, что оригинальное название фильма «The cure» правильнее переводить на русский язык не как «Лекарство», а как «Лечение».
© А. Ф. Рогалев.

Смотреть фильм можно по ссылке: 

понедельник, 27 марта 2017 г.

Время обскурации в фильме Алексея Балабанова «Кочегар» (2010 год)

Слово обскурация в переводе с латинского источника означает «затемнение». В фильме «Кочегар» как раз и показывается пережитое «тёмное время» середины 1990-х годов в России. Время разгула бандитизма, крушения всех прежних нравственных идеалов, переоценки социальных ориентиров.
Для обозначения социальной обскурации используется ещё образное словосочетание «окаянные дни». Именно в такие дни торжествуют  темнота человеческой души и грязная совесть, что и взято режиссёром и сценаристом фильма Алексеем Балабановым за основу для повествования.
В центре сюжета – майор в отставке, Герой Советского Союза Иван Матвеевич Скрябин, якут по национальности, брошенный уехавшей в Америку женой, безразличный для дочери, которая вспоминает об отце только тогда, когда ей нужны деньги.
Майор воевал в Афганистане, был контужен, уволен из армии по состоянию здоровья, и теперь фактически живёт в кочегарке, где и зарабатывает на жизнь кочегаром.
Два бывших сослуживца Скрябина по Афганистану устроились бандитами – работают по найму, специализируясь на заказных убийствах. В кочегарку к Скрябину они наведываются, когда необходимо сжечь в печке трупы.
Таков зачин фильма, и на этой доминанте строится весь дальнейший сюжет. Доверчивый и, безусловно, больной майор-кочегар Скрябин становится невольным соучастником многочисленных преступлений. Впрочем, до поры до времени он верит своим армейским коллегам, объясняющим Скрябину, что они очищают общество от плохих людей.
Этого вполне достаточно для контуженого майора. В его сознании, похоже, сформировался и укрепился обобщённый образ плохого человека, который воспринимается кочегаром как виновник всех бедствий и несчастий.
В перерывах между подбрасыванием угля в топку Иван Скрябин пишет книгу, в которой как раз и функционирует плохой человек как главный герой по прозвищу Хайлах. По-якутски слово хайлах означает «ссыльный преступник, каторжник». В сочинении Скрябина один из хайлахов берёт верх в селении якутов и приносит им неисчислимые беды.
Это сочинение, рождающееся в раненом сознании бывшего майора Советской Армии, является реакцией на то, что происходит вокруг Скрябина в реальной постсоветской жизни, к чему он имеет непосредственное отношение и что он вынужден так или иначе оценивать. Убогое сочинение сломленного жизнью и болезнью майора-кочегара является беспомощным аллегорическим видением жизненных уродств.
Фильм «Кочегар» пронизан идеей безысходности и обречённости. Всё его содержание складывается из сплошных смертей и ужасных убийств, совершаемых потерявшими всякое человеческое лицо бывшими сослуживцами майора Скрябина.
Создатели фильма явно, как говорится, перегнули палку. Дикость и жестокость здесь подана как норма общежития и обыденность, при которой человек человеку – зверь. Этому способствует и весёлое музыкальное сопровождение фильма, лишённое всякого трагизма и даже элементарной интонации для указания на ненормальность изображаемого.
Зачем же так низко опускать планку жизни и до предела упрощать характеры людей? Ведь не бывает так, чтобы в социальной темноте и господствующем разврате вообще не было лучей истинного и чистого света, чтобы общество состояло только из одних негодяев, физически больных и духовно опустошённых людей. Иначе обскурация никогда бы не заканчивалась, а социум бесповоротно перешёл бы в жизненный режим самоуничтожения.
И зачем делать главным героем фактически юродивого человека, ставшего заложником собственной горестной судьбы? Он не может быть положительным героем по определению, хотя бы даже потому, что кончает жизнь самоубийством в собственной кочегарке, в которой он ещё до этого заживо себя и похоронил.
Отсутствие положительного начала как альтернативы социальным язвам и потрясениям является главным недостатком фильма Алексея Балабанова. Такое кино способно только угнетать сознание зрителя и формировать исключительно негативное восприятие действительности.

© А. Ф. Рогалев.

суббота, 25 марта 2017 г.

Одно лето и вся жизнь. О фильме «Наше лето» (2015 год).

Франко-бельгийский фильм «Наше лето» La belle saison») режиссёра Катрин Корсини, снятый в 2015 году, построен так, что всем своим содержанием и атрибутикой уводит зрителя в 1970-е годы, когда и разворачиваются рассказанные в фильме события.
Данный киносюжет представляет собой мелодраму, причём с эротическим наполнением. К тому же мелодраматические коллизии привязаны к социальной тематике. В этом и заключается своеобразие фильма «Наше лето».
… Париж 1971 год. Сюда из провинции приезжает двадцатитрёхлетняя девушка Дельфин. Для неё здесь всё ново – сам город, его люди, их нравы, интересы и занятия. До приезда в столицу Дельфин знала лишь ежедневный крестьянский труд. Она родилась в семье фермера и с детства привыкла работать с утра до вечера с отцом и матерью на поле, по дому и в загонах для скота.
Воспитанная на канонах консервативной крестьянской морали, Дельфин и думать не думала о том, что приезд в Париж изменит её жизнь навсегда.
Здесь её вдруг, как магнитом, потянуло к пёстрому движению феминисток. По всей видимости, причину такого интереса следует связывать с жизненной программой девушки, совсем не расположенной от рождения к мужчинам.
Отец Дельфин, бывало, заговаривал с дочерью о замужестве, тем более что по соседству жил сельский парень Антуан, симпатизировавший Дельфин. Но та и слышать не хотела ни об Антуане, ни о замужестве.
Да и не могло быть иначе. Ведь ещё в детстве Дельфин, когда играла с подругами и друзьями в дочки-матери, с удовольствием целовалась по условиям игры не с мальчиками, а с девочками.
Вот и сейчас, уже в Париже, Дельфин с интересом прислушивалась на собраниях феминисток к тому, о чём в деревне, да и в городе в изображаемое время относились презрительно. В пёстром по составу движении феминисток ведь были не только те, кто ратовал за полную эмансипацию женщин, но и проповедницы любви, свободной от предрассудков и стереотипов.
Так случилось, что наиболее тесно Дельфин сошлась с более старшей по возрасту, чем она, тридцатипятилетней парижанкой Кароль. Незаметно дружба перешла в притяжение чувств. Дельфин и Кароль стали любовницами.
Наступило лето, и дома у Дельфин, в деревне, произошло несчастье: отца хватил удар. Девушке пришлось возвращаться домой, чтобы спасти ферму, на которой нужно было постоянно и напряжённо работать. Вслед за Дельфин в деревню приехала и Кароль, которая уже не могла оставаться без младшей подруги. Интересно, что Кароль ради Дельфин рассталась даже со своим мужчиной.
Основные события фильма происходят именно в деревне, летом. Отсюда и название фильма – «Наше лето». Мелодрама приобретает не только яркую эротическую окраску, но и психологическую нагрузку. Ведь отношения Дельфин и Кароль во-первых, были тайной для всех остальных, а во-вторых, явились испытанием для двух любящих друг друга людей особенно для Дельфин, которой пришлось делать нелёгкий, прямо-таки болезненный выбор между долгом перед семёй, усвоенными с детства нормами морали, правилами общежития и сильным чувством к Кароль.
Эротико-психологическая мелодрама по ходу развития сюжета неоднократно меняет свою тональность, переходя от жёстких драматических коллизий к лиризму и размышлениям.
Смотреть этот фильм интересно и даже приятно – прежде всего как психологическую мелодраму. Что касается эротических сцен, то они сняты весьма деликатно и не вызывают никаких эмоций отторжения.
Авторы фильма, а вместе с ними и исполнительницы главных ролей (Сесиль Де Франс и Изиа Ижлен) смело изображают весьма щекотливую проблему жизни. И в том, как эта проблема подана, нет ничего вычурного и ненормального.

© А. Ф. Рогалев.


четверг, 23 марта 2017 г.

Сюжет и главные образы психологической драмы «Алёшкина любовь» (СССР, 1960 год)

В 1960 году на экраны кинотеатров СССР вышла, как сейчас говорят, мелодраматическая история под названием «Алёшкина любовь». Главную роль в фильме сыграл Леонид Быков.
Фильм снимали режиссёры Семён Туманов и Георгий Щукин. Художественным руководителем был знаменитый Михаил Ромм.
Говоря о фильме в целом, можно казать так: в незамысловатый сюжет вложен большой и глубокий смысл. Не случайно, «Алёшкину любовь» за короткое время после выхода на экраны посмотрели почти 24 миллиона зрителей.
Фильмов о любви много. Но не все из них запоминаются. Впечатляют и остаются в памяти лишь те из них, в которых тема любви подана тонко и деликатно, с оригинальным авторским подходом к раскрытию человеческой психологии. Киносюжет «Алёшкина любовь» как раз такой. В данном случае можно утверждать, что автор сценария Будимир Метальников выступил ещё и как знаток человеческой психики.
Актёр Леонид Быков в свою очередь сумел передать нюансы мироощущения и специфику души своего героя – молодого человека по имени Алексей, который перед поступлением в геологоразведочный институт намеренно проходит жизненную практику в группе геологов, работающих в степи и переезжающих с места на место в поисках месторождений полезных ископаемых.
Алёшка ввиду своей молодости и неопытности и присущей ему неумелости в быту является объектом шуток, порой злых и колючих, со стороны старших товарищей. Но он умеет не принимать близко к сердцу никакие насмешки и не превращает их в отравляющие душу обиды.
Случилось так, что на одном из степных железнодорожных переездов Алёшка увидел девушку – Зинку (актриса Александра Завьялова), которая работала здесь стрелочницей и жила в домике вместе со своим дедом, старым железнодорожником.
Одного взгляда было достаточно, чтобы Алёшка влюбился. И с того дня он стал ходить к переезду, несмотря на то, что геологи, среди которых он находился, постоянно меняли место дислокации, и ходить Алёшке к переезду приходилось порой за много километров.
Но он, выполнив назначенную ему работу, нёсся к переезду будто на крыльях, а там, попадая в поле видимости обитателей домика, заметно сникал и робел, не зная, как завязать разговор с Зинкой, которая к тому же была весьма колючей и едкой на язык девушкой.
Впрочем, такая особенность характера Зинки, как оказалось, не являлась её подлинной сущностью, а выступала как специфическая непроизвольная защита от любой попытки добиться её внимания со стороны мужчин. Нужно сказать, что на Алёшку девушка обратила внимание сразу же, только никак внешне не проявляла своего интереса к нему.
Два персонажа киноповести «Алёшкина любовь» являют собой разновидность Ромео и Джульетты, только без присущих шекспировским героям пылкости эмоций и страстности чувств. Но их взаимное притяжение не менее сильное, иначе бы ни Алёшка, ни Зинка (в последней сцене фильма) не сумели бы преодолеть те километры, которые разделяли их в пространстве. Алёшка же делал это, как уже было сказано, ежедневно.
Кому-то история Алёшкиной любви может показаться несовременной и не стоящей внимания ввиду отсутствия внешних сцен проявления страсти. Но в том-то и суть показанного в фильме, что любовь здесь не фокусируется на физическом плане взаимоотношений, а показывается исключительно в духовной и душевно-психологической проекции. Зритель, не развивший в себе тонкого чувства, этот фильм не поймёт.
Между тем, в сюжете есть и пример-антипод Алёшкиному чувству. Люди-то ведь разные, и авторы фильма это показывают, не уходя от другого понимания сути человеческих чувств и притяжений, под которые подходит в качестве определения одно и то же многозначное слово любовь.
Образ Алёшки не исключителен, а типичен, и он является таковым и сейчас, будучи вневременным по своей природе. Поэтому и сам фильм «Алёшкина любовь» остаётся современным, несмотря на то, что был создан много десятилетий назад.

© А. Ф. Рогалев.


Курьёзная история сатирической комедии «Тридцать три» (СССР, 1965 год)

У технолога завода безалкогольных напитков из вымышленного города Верхние Ямки Ивана Сергеевича Травкина (актёр Евгений Леонов) разболелся зуб. При осмотре в зубной поликлинике оказалось, что болит… тридцать третий зуб пациента. Но ведь у человека может быть только тридцать два зуба!
Вместо оказания помощи врачи местной поликлиники тут же сообщили вверх по начальству о необычном пациенте. Начальство в свою очередь домыслило сей факт таким образом, что Иван Сергеевич Травкин оказался особым видом человека, которого нужно тщательно изучить.
К сенсации подключилось телевидение, подготовившее передачу с участием Травкина. На следующий день технолога из Верхних Ямок знала уже чуть ли не вся страна.
При этом, как обычно бывает, из факта родились слухи – один невероятнее другого. В результате Ивана Сергеевича отправляют в Москву на исследование как предполагаемого потомка марсиан, хотя в народе не исключают другого объяснения: Иван Травкин – не кто иной, как снежный человек…
У этой комедии Георгия Николаевича Данелии есть безусловная сатирическая направленность. В ней ярко и забавно высмеивается свойственная людям склонность, говоря по-простому, делать из мухи слона. Тридцать третий зуб Ивана Сергеевича Травкина подаётся создателями фильма как аллегорический образ пустячного факта, который раздувается в богатом воображении так называемых специалистов до космических масштабов.
Такая особенность человеческого мышления вечная, поэтому снятый в 1965 году сатирический фильм не теряет своей актуальности и сегодня. Участие же в нём целой команды великолепных комедийных актёров (Евгений Леонов, Савелий Крамаров, Владимир Басов, Нонна Мордюкова, Инна Чурикова, Николай Парфёнов, Фрунзик Мкртчян, Светлана Светличная) обеспечило высокий уровень исполнения и реализации авторского замысла.
Тем не менее фильм «Тридцать три», по сравнению с другими фильмами того же Георгия Данелии или прочими комедийными советскими киношедеврами, остаётся малоизвестным.
Причина же в том, что он на протяжении двух с лишним десятилетий находился под запретом. В ЦК КПСС фильм был определён как пародия на советскую действительность или вовсе как порочащий советский социалистический строй киносюжет. Мнение высоких партийных функционеров активно поддержали космонавты во главе с Юрием Гагариным и Алексеем Леоновым, потребовавшие от властей запрета на демонстрацию фильма.
В результате кинолента в копиях подпольно расходилась по стране. Её всё равно смотрели, смеялись и одобряли как режиссёрскую работу, так и сам сценарий, написанный Георгием Данелией в соавторстве с Валентином Ежовым и Виктором Конецким.
Между тем ничего страшного для СССР в фильме нет и не было. История вокруг фильма как раз и подтвердила верность основной идеи этой комедии, высмеивающей человеческую глупость, причём в любом её варианте, от кого бы она ни исходила, пусть даже и от очень высоких и известных лиц.
Заметим, что в фильме есть и жизнеутверждающая основа, при этом такая, которая подчёркивает достоинство советского строя. Когда у главного персонажа спрашивают, что такое счастье, тот отвечает: «Счастье – это когда утром хочется на работу, а вечером – домой».
Под этой фразой могли расписаться большинство советских людей, ибо такое положительное, исключительно мирное и доброе ощущение жизни исходило из самой ауры страны в 1960-е годы. Как же этого-то не заметили!.. Или большое и значительное, в отличие от пустяков, действительно видится только на расстоянии?..

© А. Ф. Рогалев.


понедельник, 20 марта 2017 г.

Апокалипсис местного масштаба в фильме «Туман» (2005 год)

Американский фильм режиссёра Руперта Уэйнрайта «The fog» («Туман»), вышедший на экраны в 2005 году, интересен прежде всего как художественная версия апокалипсиса, но не во всемирном масштабе, а применительно к избранному городу и его жителям. В этой версии есть несомненные переклички с известной библейской легендой о Содоме и Гоморре.
В самом начале фильма зритель видит сцену терпящего бедствия корабля. Он горит, гибнут люди, падая в море. Очевидно, что на корабль кто-то напал, и то, что происходит это в прошлом.
Затем мы переносимся в штат Орегон (один из так называемых Тихоокеанских штатов на северо-западе США) и, в частности, на остров Антонио, по всей видимости, вымышленный, где находится небольшой городок, готовящийся отметить круглую годовщину своего основания. К этой дате приурочено открытие памятника четырём отцам-основателям города.
Затем начинается череда непонятных и вовсе страшных событий. На берегу оказываются вымытые водой предметы и вещи из прошлого. Один за другим начинают погибать действующие персонажи фильма. С моря же надвигается густой туман, который похож не столько на атмосферное явление, сколько на некое живое существо, несущее смерть.
Так оно и оказывается: туман в этом фильме, пожалуй, является главным действующим лицом. Он однозначно персонифицирован, потому что в моменты совершения убийств предстаёт в человеческом облике.
Можно рассуждать и несколько иначе: туман, надвигающийся на островной город, есть не что иное, как живая материя инобытия, совмещающегося с бытийностью острова Антонио с определённой целью, суть которой – возмездие.
Фактически идёт поиск конкретных лиц, оказывающихся прямыми потомками основателей города или же ими самими, но уже в ином воплощении. Остальные жители, натерпевшись страха, остаются невредимыми. Одно из ключевых действующих лиц – Элизабет (актриса  Мэгги Грейс) переходит на иную ветку жизни, растворяясь в тумане, но не гибнет, а именно переходит, меняя свою локализацию и ипостась.
Это один из наиболее интересных моментов сюжета, соотносящийся с теорией о том, что индивид одновременно имеет несколько воплощений на разных ветках действительности, которые стереотипно считаются прошлым, настоящим или будущим.
Апокалипсис местного масштаба произошёл в канун торжеств, поскольку те, кто считался жителями приморского города историческими героями, на самом деле были убийцами и грабителями, напавшими на корабль, перевозивший неизлечимо больных людей и  золото, необходимое для основания колонии на острове. Захваченные сокровища были использованы для основания населённого пункта, который был, таким образом, построен ценой насильственной смерти многих людей. Нападавшие оправдывали свои действия тем, что эти люди – больные и всё равно умрут, поэтому, мол, нет необходимости строить для них поселение.
Люди погибли на физическом плане, но остались на тонком плане как мятущиеся и не знающие успокоения души.
Фильм понравится любителям фантастики, мистики и жанра ужасов. Колоритные съёмки, убедительная игра актёров и сопровождающая фильм музыка способствуют созданию атмосферы некой тайны и связанной с ней неминуемой кары.
Добавим к сказанному, что фильм «Туман» является ремейком одноимённого фильма 1980 года, снятого режиссёром Джоном Карпентером и неоднозначно воспринятого критикой, впрочем, как и фильм 2005 года.
Упрёк этому фильму, на наш взгляд, может быть только один: зрителю нужно больше разъяснять показываемое и не скрывать истоки тайны в тумане настолько, что выудить её оттуда непросто.

© А. Ф. Рогалев.

воскресенье, 19 марта 2017 г.

Постыдная «Русская Лолита» (фильм 2007 года)



Фильм «Русская Лолита», снятый режиссёром Арменом Оганезовым в 2007 году, лишь самыми общими контурами сюжета напоминает знаменитый роман В. В. Набокова «Лолита» (1955 год). Во всём остальном – это самостоятельное произведение кино, со своей фабулой, характерами и мотивами, на основании которых можно делать вполне определённые выводы.
Некий писатель Геннадий Петрович приезжает в дачный посёлок, чтобы снять комнату и всецело заняться вне города творчеством. Увы, ситуация разворачивается так, что работу с текстами Геннадию Петровичу пришлось отложить на неизвестное время. Причина – хозяйка дома, живущая без мужа с дочерью-подростком. Между нею и квартирантом завязывается любовная связь. Причём это не очень мотивируется, по крайней мере, со стороны Геннадия Петровича, и подаётся как спонтанно возникшее влечение. 
Мать, до этого всецело принадлежавшая дочери и делившая с ней все психологические и материальные тяготы одинокого женского бытия, переключает своё внимание на появившегося в доме мужчину. Девочка Алиса (внутри семьи и среди знакомых – Лисёнок) восприняла это очень болезненно, что свойственно именно подростковому возрасту. Реакция и последующие действия её были воистину фантасмагорическими: Алиса решает… соблазнить Геннадия Петровича, отомстив тем самым матери, но сама не понимает, что это может привести к тому, чего она, безусловно, и не планировала, начиная своё необычное предприятие.
Далее… Далее психологическая мелодрама превращается не без желания авторов фильма в откровенное эротическое кино. Чувство меры у создателей фильма явно было потеряно. По сравнению с набоковской «Лолитой» и фильмами, снятыми по этому произведению, «Русская Лолита» явно вульгарнее и, соответственно, слабее.
Достаточно сказать, что даже вся аргументация героев фильма, их доводы и объяснения, самомотивация своих поступков подаются в форме немого кино: в кульминационных эпизодах герои о чём-то спорят, что-то говорят друг другу, но их слова остаются не слышными для зрителя, который видит только результат диалогов и психологических дуэлей (главные роли исполнили Валерия Немченко, Владимир Сорокин, Марина Засимова).
Завершающая картинка, о сути которой мы здесь умолчим, вообще шокирует и снижает интеллектуальный уровень фильма до нуля.
Интересно, что Алиса зовёт Геннадия Петровича сначала «Крокодилом Геной», а потом просто «Крокодилом». В этом прозвище – Крокодил – можно уловить свой смысл: для крокодилов-рептилий характерен рептильный мозг, который у человека составляет ствол головного мозга, отвечающий среди прочего за проявление основных инстинктов. В том, как изображён Геннадий Петрович, мы видим не писателя с присущей людям, занимающимся словесным творчеством, духовностью и ментальностью, а самого настоящего голодного самца с доминирующим рептильным мозгом.
В фильме есть косвенная информация о тематике произведений, которые сочиняет «Крокодил Гена»: он пишет о любви и человеческих взаимоотношениях. Почему-то думается, что произведения Геннадия Петровича сплошь пронизаны темой секса. По крайней мере, его поведение в чужом доме и особенно по отношению к девочке-подростку не оставляет иных вариантов для вывода. Увы, такое тоже бывает, и авторы фильма это показали, хотя и чересчур наглядно.
© А. Ф. Рогалев.

Провинциалка в Москве в фильме «Роман в письмах» (2011 год)

В мелодраме режиссёра Константина Статского, снятой по сценарию Марины Шихалеевой и Константина Костенко, обыгрываются идея и образ знаменитого советского фильма «Приходите завтра» (1963 год, режиссёр Евгений Ташков). Кстати, по ходу развития сюжета главную героиню фильма «Роман в письмах», Таню, в одном из эпизодов образно именуют Фросей Бурлаковой. Именно так звали героиню фильма «Приходите завтра».
Татьяна, как и Фрося Бурлакова, приезжает в Москву из глубинки, имея намерение реализовать себя, найти своё место в жизни, воплотить собственные мечты и желания. Таня, как и Фрося, натура творческая (Таня – поэтесса, а Фрося – певица), при этом весьма энергичная, пассионарная, волевая, своего рода девушка с характером.
Здесь опять не обойтись без сюжетно-образной параллели, на этот раз с фильмом Константина Юдина «Девушка с характером» (1939 год), главная героиня которого также приезжает в Москву из далёкой провинции и оказывается в непривычных для себя ситуациях.
Эти параллели красноречивы и несомненны. Энергичных и целеустремлённых девушек из названных фильмов (можно в этот ряд добавить также героиню киносюжета Эльдара Рязанова «Девушка без адреса», 1957 года) объединяет ещё одно качество: они непосредственные, искренние и доверчивые, без всякой хитринки.
Но одно дело – оказаться в Москве советской, где сама атмосфера и менталитет людей благоприятствуют реализации замыслов и желаний. И совсем другое дело – приехать в Москву постсоветскую, где на каждом углу нужно опасаться быть жестоко и нагло обманутой и обворованной.
Вот с учётом таких кинодраматургических и социальных параллелей смотреть фильм Константина Статского «Роман в письмах» весьма интересно и даже полезно в плане познания действительности и человеческих типов.
Вот только заглавие фильма выбрано не совсем удачное. Не случайно в интернете анализируемый фильм найти не так просто, поскольку он размножен под другим названием – «Городская Золушка». И нужно сказать, что это, народное, название более подходит для сути созданного образа и выражаемой идеи.
Татьяна приехала в Москву, чтобы поступить в литературный институт. Она прошла предварительный конкурс-экспертизу и приглашена официальным письмом из института в приёмную комиссию. Но из-за болезни матери девушка опоздала на один день, и приём документов был закончен. Вот так юная поэтесса оказалась в Москве без жительства и средств к существованию. В институте же ей, как и Фросе Бурлаковой, говорят: приходите завтра, а ещё лучше на следующий год.
Сценарий фильма увлекает, хотя он и не без слабых мест и издержек. Интересен он, как мы уже сказали, своими параллелями и только потом событиями и коллизиями сюжета. Так вот, по ходу развития сюжета выявляется ещё одна параллель, на этот раз литературно-сказочная.
Татьяна действительно напоминает Золушку, когда по воле судьбы, оказывается домработницей в семье богатого и влиятельного чиновника, у которого есть грубая, недалёкая, капризная дочка Катя, отличающаяся исключительно материальными устремлениями и примитивным мировосприятием.  
Татьяна, как Золушка, выполняет всю работу по дому, терпит насмешки и намеренные уколы в свой адрес, да ещё пишет по капризу и фактическому приказу хозяйской дочки письма и стихи, адресованные молодому человеку по имени Денис, который весьма интересен для избалованной Кати.
Начинается роман в письмах. Денис влюбляется, скорее в стихотворные послания, чем в саму Катю, для которой душевные и философские стихи в конечном итоге оказываются той хрустальной туфелькой, по которой сказочный принц отыскал настоящую принцессу.
Впрочем, мы не излагаем в точности всех перипетий сюжета, в котором, повторяем, есть слабые места и натяжки, а касаемся только ключевой его канвы. С ней связана суть фильма, главные роли в котором убедительно сыграли Ольга Иванова, Андрей Фролов и Анна Носатова.
История прирождённой поэтессы Татьяны из российской глубинки завершается вполне счастливо, благодаря прежде всего волевому характеру девушки. Её приняли в литературный институт, и она нашла своего принца.
Мелодрама с благоприятным концом радует зрителя и позволяет ему ещё раз убедиться в справедливости утверждения, что путь к звёздам лежит через острые тернии.

© А. Ф. Рогалев